Panorama Clásicos: Lauryn Hill - The Miseducation of Lauryn Hill (1998)

El día 25 de Agosto se cumplen 20 años desde que Lauryn Hill lanza su primer y único disco como solista, The Miseducation of Lauryn Hill. En esta nueva instancia de Panorama Clásicos reseñaremos el proyecto de Ms. Hill que la ayudó a alcanzar fama internacional, y que a medida que avanza el tiempo gana más peso como un disco fundamental para la música de finales de los noventa, como al mismo tiempo, la categoría de clásico se le asigna con más fuerza.

Lauryn Hill es una rapera, cantante, actriz proveniente de New Jersey. Su primer acercamiento a la fama fue gracias a su ex banda, The Fugees, los cuales mezclaban elementos del Soul, de Reggae y Rap; esto dio de resultado un sonido bastante único y distintivo. Junto a The Fugees, Lauryn solo publicaría dos álbumes, siendo The Score el que cosecharía más éxito gracias a los covers de “Killing me Softly” y “No Woman, No Cry”. Después de separarse la banda, Lauryn decide grabar su disco en solitario, reclutando a músicos para el proyecto y mudándose a Jamaica para grabar éste nuevo álbum.

Como mencionamos arriba, Lauryn ya gozaba de gran reconocimiento gracias a lo que hizo con los Fugees, pero nada de eso se compararía con el éxito que cosechó The Miseducation, eclipsando todo lo que Hills había logrado antes de su lanzamiento. Según la RIAA, el álbum ha alcanzado disco de platino ocho veces; en los Grammys también le fue bien, rompiendo un record al ser nominado en diez categorías, ganando cinco premios, entre ellos mejor álbum del año (1998). Otro record que ha alcanzado el disco, es el de ser el único  proyecto lanzado por una rapera en alcanzar el puesto número uno en Billboard, siendo Cardi B  la segunda rapera en conseguirlo después de veinte años. 

Más arriba mencionamos que el sonido de los Fugees consistía en una mezcla entre Soul, Reggae y Rap; Lauryn en su nuevo proyecto continuaría basando su sonido en esta mezcla, pero de manera mucho más profunda, extensa y dinámica, al punto de trascender los estilos que una vez la influenciaron. Es necesario decir también que el sonido del álbum es bastante uniforme, con esto no nos referimos a que sea un disco plano, más bien, todas las canciones se desarrollan de manera un tanto similar, pero aun así son capaces de destacar por separadas como de manera individual. En base a lo uniforme del sonido, ya sean en las canciones en donde Lauryn se dedica a cantar o rapear, se percibe un groove que permite a las canciones sostenerse y avanzar sin que se pierda el dinamismo ni la intensidad de cada una de ellas; esto pasa inclusive en "Nothing Even Matters", la canción más calmada en todo el álbum. Comentar también que, a pesar de la uniformidad del sonido, cada canción cuenta con pequeños elementos, ya sean vocales o instrumentales que las diferencian del resto. "Ex-Factor" tiene ese espectacular coro final, "To Zion" cuenta con la participación de Carlos Santana en la guitarra, "When It Hurts so Bad" está adornada por una casi angelical Arpa y las melodías vocales en "I Used to Love Him" y "Tell Him" se roban el show.

Líricamente, en The Miseducation se desarrollan temas bastante generales, siendo el amor el tópico que predomina dentro del álbum; pero más que de qué se habla, el cómo se dice es más llamativo. El amor dentro del disco se aborda de diferentes maneras durante el tracklist, pero principalmente se ocupan algunos diálogos que se desarrollan dentro de una sala de clases, teniendo una discusión abierta sobre lo qué es al amor o como los alumnos son capaces de definirlo. A pesar de lo anterior, hay temas diferentes expresados algunas canciones. En "Lost Ones" se habla sobre el si vale la pena perder algo valioso solo para ganar otra cosa; ademas la canción sirve para tirarle mierda a un ex miembro de los Fugees con el que Hill solía tener una relación. "To Zion" es una pieza que, si se leyera incorrectamente, serviría como discurso Pro-Vida más que la historia de una mujer que decidió tener a su hijo en vez de abortar, y como su vida cambia en base a eso. Dentro de todas las cosas que se logran desprender de "Doo Wop (That Thing)", la idea principal sería que las actitudes superficiales en las personas solo atraen gente superficial, que solo te va a querer ya sea por tu dinero o por tu apariencia física. Para no hacer esta sección más larga, comentar también que tema de terminar relaciones toxicas es algo que se repite varias veces en el álbum; "When It Hurts so Bad", "I Used to Love Him" y "Ex-Factor" son los ejemplos más claros.

No me es fácil decir cosas malas sobre este álbum por dos razones: no encuentro elementos que perjudiquen el proyecto, tengo cierto tipo de conexión emocional con el disco; quizás el álbum puede llegar a ser un tanto Hippiento, al punto de generar algo de saturación en el oyente. Por más que trate de ser imparcial con el proyecto, la nostalgia termina nublando un poco mi percepción sobre el álbum, ya que tengo recuerdos de mi hermana escuchándolo a comienzos del 00's. A pesar de lo anterior, es imposible negar lo importante y trascendental que el disco se ha convertido a medida que avanzan los años, ya que, además de estar bien hecho y lo fácil que es sentirse identificado con lo que se dice; es casi como si Lauryn te estuviese hablando directamente a ti, y eso lo hace convertirse en un clásico.

Canciones Favoritas: Lost Ones, Ex-Factor, To Zion, Doo Wop (That Thing), Final Hour, When It Hurts so Bad, I Used to Love Him, Forgive Them Father, Every Ghetto Every City, Everything Is Everything, Can't Take My Eyes Off of You.

Deafheaven - Ordinary Corrupt Human Love

Deafheaven es una banda proveniente de la ciudad de San Francisco, lanzando su primer LP, Roads to Judah, el 2011. Pero no sería hasta el lanzamiento de su segundo larga duración, Sunbather (2013),  donde la banda llamaría la atención de una audiencia más masiva, eso debido a la combinación de estilos que se logró pulir con ese álbum. Poder categorizar a Deafheaven dentro de un estilo musical ha sido bastante difícil a lo largo de su carrera debido a los diferentes elementos que la banda toma de estilos como el Black Metal, Post Rock y el Shoegaze; pero, si nos ponemos a categorizar a Deafheaven dentro de un estilo, quitaríamos toda la entretención que significa escuchar a la banda.

Sunbather fue un álbum que tomó a todos por sorpresa debido a lo bien recibido que fue tanto por la crítica como por los fans, debido a lo refrescante que sonaba. Luego, en el 2015 vendría New Bermuda, el cual recibiría comentarios mixtos, mayormente favorables en todo caso; comentar que es en ese disco donde se ve a Deafheaven soltarse un poco de sus raíces Black Metal en favor de acercarse más a un Post-Rock de principios del 2000. En su cuarto disco, Ordinary Corrupt Human Love, Deafheaven se sumerge casi por completo en las influencias de bandas como Explosions in the Sky y Mogwai, pero ocupando pedales de distorsión y blastbeats  

El primer punto que quiero expresar respecto al sonido del álbum es, a pesar de la variedad de estilos que la banda ocupa para crear sus canciones, el proyecto se siente bastante accesible, siendo esto el primer strike contra el álbum. Con lo anterior no nos referimos a que porque suene más accesible significa que es malo, sino más bien,  ya  sean los momentos explosivos o los calmados, ninguno golpea con la intensidad que lo hacían en trabajos anteriores. Las partes explosivas no son tan potentes como lo eran en New Bermuda, y las transiciones no son hipnotizantes como en Sunbather, dando como resultado canciones fáciles de digerir para alguien que no esté familiarizado con la banda pero a la vez perdiendo una de sus características más llamativas. El segundo strike es lo poco interesantes que son canciones como “You Without End”, “Near” y “Night People”. Ninguna de las tres canciones mencionadas fue capaz de generar interés en mi dentro de lo que ocurría en cada una de ellas, siendo las tres planas, monótonas y poco trascendentales pala lo que es la escucha completa del disco; es una  pena que ni siquiera Chelsea Wolf haya sido capaz de salvar “Night People”, ya que su voz no se complementa en nada con la poca expresiva voz de George Clarke, este último cantando en un registro más común. Otra cosa que debo comentar, y esta no siendo un último strike, en “Honeycomb” y “Canary Yellow” la guitarra encargada de los solos me recuerda a una versión no tan eficiente de algo que haría Kirk Hammert; aun así hay pasajes que lograron quedarse pegados en mi memoria.

De toda la gente que conozco, que dice que le gusta Deafheaven, nadie se refiere a las letras, gran parte de los comentarios van dirigidos a la instrumentación y melodías; a pesar de eso, siempre he considerado que la banda tiene algo que ofrecer en cuanto a su lírica. En trabajos anteriores las letras hablaban de temas más funestos como la depresión y el abuso de sustancias, pero eso no pasa en  Ordinary Corrupt Human Love, ya que gran parte de las canciones hablan sobre gozar las pequeñas cosas de la vida. Es en éste proyecto donde la escritura me recuerda algo que Billy Corgan (Smashing Pumpkins) hubiese hecho para Adore (1998), ya que, ocupando un vocabulario bastante mundano las ideas de desarrollan casi llegando a ser melodramáticas; ejemplo de esto es "You Without End", donde se recita el cuento de un amigo de la banda, dando como resultado una explosión de dramatismo y cursilería. Otro ejemplo donde lo que describimos más arriba ocurre, pero de mejor manera, es en “Honeycomb”, donde un discurso de autoayuda es camuflado debajo del nombramiento de pequeñas miserias que la gente debe vivir día a día. 


No podría decir si el álbum es lo peor que ha lanzado la banda, o un proyecto excelente, ya que hay momentos que me agradaron, como también otros que preferiría no volver a escuchar; comentar que "Glint" es la única canción que disfruté de principio a fin. Considero que el resultado de éste proyecto se debe a la banda durmiéndose en sus laureles, ya que ellos se sabe diferente al resto y que cualquier cosa que lancen será recidiva con aplausos.A pesar de lo anterior, me llama la atención el gran recibimiento que éste álbum tuvo, y creo que eso se debe que Deafheaven aún suenan relativamente frescos; por eso se le ha aceptado el hecho de haber lanzado un álbum tan insípido como lo es Ordinary Corrupt Human Love.

Canciones Favoritas: Honeycomb, Canary Yellow, Glint

Nota: 6,5/10

Florence + The Machine - High As Hope

Florence + the Machine es un banda inglesa encabezada por la formidable cantante Florence Welch, haciendo su debut en el año 2009 con su aclamado álbum Lungs. Desde ese momento, la banda ha hecho uso de un sonido bastante teatral y grandilocuente, que es perfectamente acompañado por la voz de Welch; al mismo tiempo basando su estilo musical en artistas como Kate Bush, Patti Smith y Stevie Nicks.   

Florence Welch prometió que el sucesor a su álbum del 2015, How Big, How Blue, How Beautiful, sería mucho más personal e introspectivo; desafortunadamente, esa ha sido una promesa que la cantante ha estado haciendo desde Ceremonials (2011) y que ha fallado en cumplir. De manera casi sorpresiva, High as Hope se centra bastante en la vida personal de Welch, así también bastante minimalista pero elegante, y no tan explosivo como sus trabajos anteriores.   

Florence + The Machine tocando "Hunger" en la BBC

Uno podría considerar que la evolución musical de la banda ha sido casi nula, y que los elementos que forman cada canción dentro de High As Hope son los mismos que se encuentran en cada uno de los proyectos anteriores. Independiente de lo anterior, éste nuevo álbum se diferencia de los demás ya que es mucho más calmado, haciendo de esto su punto fuerte y mayor atractivo. Uno llegaría a pesar que lo calmado del disco podría hacerlo bastante monótono y aburrido, y a momentos eso pasa, pero es ahí donde canciones como "Hunger" y "South London Forever" le añaden un poco de energía al proyecto; hay puntos medios también, "100 Years" y "Patricia" son ejemplos perfectos de lo bien que se pueden hacer canciones bastante potentemente sin la necesidad que sean ruidosa. "June" y "No Choir" abren y cierran el álbum respectivamente de una manera un tanto melancólica pero cumpliendo el rol de ser una buena invitación y despedida a lo que es High As Hope.

En letras de los álbumes anteriores se puede notar pequeños detalles de la vida personal de la cantante Florence Welch, pero de manera a veces encriptada y otras bastante literales. En esta nueva instancia, cada letra dentro de cada canción se puede percibir como la lectura de un diario de vida, donde Florence habla sobre las mujeres que rodearon su vida y como percibe su presente influenciado por su pasado. La segunda canción del álbum, "Hunger", se hace una metáfora en relación a los problemas alimenticios que sufrió la cantante para decir que está hambrienta por un futuro más excitante. En "Grace", Florence  nos cuenta sobre los problemas para poder generar una conexión más emocional con su hermana, pero a pesar de eso, la ama de igual manera. En la canción "Patricia", se hace una oda a una de las influencias nombradas más arriba, Patti Smith, donde se nos relata el nivel de idolatría que sentía Florece hacia la Reina Poeta del Punk. Por último, otro momento interesante es la canción final del disco, "No Choir", donde el tema principal se podría interpretar como el amor cada vez va quedando más en segundo plano debido a como esta ha ido avanzando en edad.

Considero que tanto la música del álbum como su lírica se complementan bien en relación con lo que la banda trata de mostrar en este disco; pero, y siendo éste mi mayor problema para disfrutar al máximo el proyecto, es que Florence parece no poder encontrar un punto medio como cantante. Con lo anterior no nos referimos a que Welch sea una mala cantante, porque no lo es, lo que tratamos de decir es que su entrega puede llegar a ser un tanto abrumadora debido a lo poco controlada que es. En gran parte del álbum, Florence está dispuesta a proyectar su voz en toda su potencia, generando cierta tensión entre lo que pasa musicalmente y la voz de la cantante. Ésta dinámica perjudica lo que el álbum trata de mostrar, ya que, el nivel de intimidad que se pueda generar con las letras y la música se ve interrumpido por el difícil de controlar canto de Welch.

Canciones Favoritas: June, Hunger, Sky Full of Song, Patricia, The End of Love, No Choir. 

Nota: 7/10 

Panorama Clásicos: N.W.A - Straight Outta Compton (1988)

Celebrando 30 años desde su lanzamiento, en nuestra sección de Panorama Clásicos reseñaremos uno de los álbumes que se ha establecido dentro de lo que se podría denominar como la columna vertebral del Rap. Straight Outta Compton de N.W.A es un disco que, a pesar de toda el agua que ha pasado bajo el puente en relación con la expansión musical como en popularidad del género, la influencia de éste proyecto y de lo que provocaría puede ser percibido hasta el día de hoy.  

N.W.A fue una banda nacida de la ciudad de Compton, Los Angeles; considerada una de las ciudades más peligrosas de E.E.U.U  durante la era Reagan. La banda estaba formada por los que ahora se pueden considerar como leyendas del Rap, Ice Cube, Dr. Dre, Mc Ren, Easy-E y Dj Yella; lamentablemente, no durarían más que un par de años juntos después que Straight Outta Compton viera la luz. Añadir también que éste proyecto ayudaría a empujar lo que ahora se conoce como Gansta Rap, a pesar de eso, el álbum consta de ciertos elementos que no lo han ayudado a envejecer de buena manera, pero algunos de eso factores son los que llamarían la atención de no solo el público que se pudiese relacionar directamente con el contenido del disco, sino también funcionar como punto de acceso a los problemas del diario vivir entre la comunidad afroamericana 

Para poder hablar sobre el contexto en el cual éste álbum está envuelto sin que suene como una clase de historia, tendremos que simplificar todo lo que sucedía en 1988 y cómo impactó el álbum al decir que fue el álbum correcto en el momento correcto. Mencionaremos tres factores que ayudan a contextualizar éste álbum.

1.      Straight Outta Compton es el segundo álbum de la banda, siendo su antecesor difícil de poder recomendar o comparar debido a lo diferentes que son. 

2.     La escena West Coast era bastante minúscula, ya que, a pesar de que el East Coast Rap llevaba un poco más de una década de existencia, su contratarte en los 80's estaba apoderada por el Techno. Comentar también que dentro de lo que se denomina Gansta Rap, N.W.A no fueron los primeros en abordar ciertos tópicos, ya que Ice T ya tenía su pequeño éxito con su canción "6 'N the Mornin'".

3.     La canción "Boyz-n-the-Hood" de Easy-E ayuda a la banda a ganar algo de popularidad, ya que ésta canción se siente como una secuela al track mencionado arriba de Ice T; la única diferencia es que la versión de E cuenta con un poco más de personalidad.

 Teniendo en cuenta lo anterior, todo lo que vendría después del lanzamiento de Straight Outta Compton llenaría a la banda de éxito como de polémica, pero, para no hacer esta sección más larga, les recomendamos que vean la película basaba en la banda, que lleva el mismo nombre que el álbum que estamos reseñando (la pueden ver en Netflix o pinchando acá).

A finales de los 80's, los beats todavía eran bastante rudimentarios en comparación con lo que pasaría en los 90's, independiente de eso, con los recursos de la época eran capaces de mantenerse creativos y pegajosos; prueba de eso es lo innovador que fue el segundo disco de los Beastie Boys, Paul's Boutique,  lanzado un año después de Straight Outta Compton. Siendo mucho más simple y directo que el álbum Paul's Boutique, los beats ocupados por N.W.A sonaban agresivos pero al mismo tiempo funky. Comentar también que el sonido del álbum es bastante uniforme, en todas las canciones se puede percibir elementos Funk, Soul y R&B, aunque canciones como "Something 2 Dance 2" son más influenciadas por el Techno de la banda anterior de Dr. Dre. Es necesario decir que, desafortunadamente, el sonido del álbum no ha envejecido del todo bien, ya que suena bastante acorde a la época en que fue lanzado; esto no quiere decir que sea algo malo, se podría considerar de hecho como una ayuda para poder apreciar otros discos de la misma época. Mi teoría del por qué su sonido no ha envejecido del todo bien es que, Dr. Dre, siendo éste el productor principal del álbum todavía no encontraba su sonido distintivo; con esto nos referimos al G-Funk, desarrollándolo más en el álbum posterior a Straight Outta Compton y alcanzando su máximo potencial en su disco en solitario, The Chronic. A pesar de lo anterior, en la canción "Gansta" se pueden ver los primeros acercamientos a lo que sería el G-Funk.

Uno pensaría que con todo el impacto social que éste álbum tuvo, sería porque está recargado con temas políticos bien desarrollados y líricamente complejos, pero no es así. Straight Outta Compton no está tematizado de manera política como el proyecto de Public Enemy,  It Takes a Nation Of Millions to Hold Us Back, ya que mientras Public Enemy decía “Fight the Power”, N.W.A decía “Fuck the Police”. El álbum tampoco está escrito de manera excelsa, otro proyecto que supera a éste en cómo está escrito es Follow the Leader, de Eric B & Rakim. A pesar de todo lo anterior, lo que hace grande a Straight Outta Compton no es su complejidad, sino más bien su simplicidad; de manera simple, pero efectiva, N.W.A dicen cada uno de sus mensajes de manera cruda y sin filtros. La canción que lleva el mismo título que el álbum “Straight Outta Compton” es el ejemplo perfecto de todo lo que pasará dentro del disco, hablando sobre violencia y toda la escena criminal en la que los miembros de la banda eran testigos y participantes al mismo tiempo. “Fuck the Police” se podría percibir solo como falta de respeto hacia la autoridad, pero más que eso, la canción es un grito de protesta en contra del sistema opresivo policial hacia la comunidad negra. Se podría desprender la idea de que la banda con sus letras están glorificando el hecho de ser pandilleros, vender drogas, pero la misma banda ha dicho que lo que ellos hacían era solamente contar las experiencias a las que ellos estaban acostumbrados debido al entorno en el que crecieron.

Siento que ya hemos hablado harto del por qué éste álbum es considerado como clásico, independiente de eso, y como comentario final, otro factor que influyó al impacto social de éste proyecto es el cómo fue recibido por el público blanco. Debido a la falta de conocimiento respecto a lo que pasaba en los ghettos, el contenido del disco fue malinterpretado, considerándose como una glorificación a todo lo malo que la sociedad de ese entonces condenaba. La banda incluso sufrió sabotajes por parte de comunidades conservadoras, como así también una políticamente bien escrita carta de amenaza por parte del FBI hacia la banda. Es una historia súper interesante, y los invitamos a saber más de ella si quieren; pero hasta donde nos especializamos nosotros, Straight Outta Compton es un álbum clásico que muestra un antes y un después en el rap, como así también presta voz a una comunidad oprimida.

Canciones Favoritas:  Straight Outta Compton, Fuck the Police, Gansta Gansta, If It Ain´t Ruff, Parental Discretion Iz Advised, 8 Ball, Something Like That, Express Yourself, Dopeman, Quiet On Tha Set.

Drake - Scorpion

Es casi incuestionable el hecho de que Drake es uno de los artistas masculinos que goza de más éxito comercial actualmente, posicionándose en la cima de todas las listas de radiales y apareciendo en cada lugar que su música pueda encajar. Según lo anterior, Drake también ha recibido harta crítica debido a la mezcla de estilos que ha hecho, así como también cada proyecto que lanza el canto se hace mucho más presente. A pesar de lo anterior, y como mencionamos más arriba, él ha cosechado bastante éxito.

En el quinto álbum del canadiense se desprende la duda de si será capaz de recuperarse después del terremoto mediático que significó su beef  con Pusha-T, donde este último sacó todos los trapitos que escondía Drake al sol. Dentro de las cosas que se le mencionan a Champagne Papi son su relación con sus padres, su inestabilidad amorosa, su actitud de pendejo, la enfermedad de uno de sus amigos y un futuro plan publicitario junto a la marca Adidas; pero, nada causo más revuelo que la mención de que Drake estaba escondiendo a un hijo. Para no entrar en cahuines faranduleros, se puede percibir que la gran mayoría de este LP estaba hecho mucho antes de que todo lo nombrado más arriba pasara; a pesar de eso, también es perceptible que el mitad cantante-mitad rapero quería hacer un lavado público de imagen en relación a su supuesta paternidad, dando como resultado dos discos bastante mal pulidos.

Si quisiéramos hablar sobre lo que pasa musicalmente en este proyecto, éste está divido en dos, uno donde predomina Drake rapeando y otro donde el canto con bases R&B toma el volante. A pesar de esta división, Drake mezcla su canto y su rapeo en varias ocasiones, como por ejemplo "Elevate", "Can't Take a Joke" y "Nice For What" entre otras. Independiente también de la división, la gran mayoría de los beats dentro de Scorpion tienen esa ambigüedad de que podrían servir tanto para Drake cantando como rapeando. Con lo anterior no tratamos de decir que los beats son buenos, porque son baste planos, predecibles y comunes; "Nonstop" y "I'm Upset" tienen los beats más aburridos en todo el proyecto. Hay excepciones a lo anterior mencionado en todo caso, en las canciones "Sandra's Rose", "Emotionless" y "After Dark", donde la producción ayuda a que éstas destaquen dentro de las veinticinco canciones. Comentar también que la gracia de este proyecto, musicalmente hablando, y es algo que el actor lleva haciendo desde Views (2015), es que Scorpion suena bastante bien como música de ambiente; ya sea en una junta con los amigos o haciendo el aseo de la casa, todas las canciones brindan un buen tono para poder llenar ese vacío para no poder generar un silencio incómodo. Tengo que rescatar también que todo el Dancehall al peo que estuvo haciendo el canadiense en los últimos años desaparece en favor de algo más contemporáneo y directo.

Se supone que los escorpiones son uno de los animales más peligrosos debido a la manera en que tienen para defenderse de quienes los quieran molestar, según eso, Drake se hace llamar un escorpión para atacar y/o responder a todas las críticas que ha recibido tanto por sus fans como la industria musical. Lamentablemente, el canadiense pasa poco rato tirando palos, y cuando lo hace, no pegan nada debido a lo débiles e ineficaces que son. En la primera canción del álbum, "Survival", el cantante/rapero habla sobre todos los éxitos que ha conseguido durante su carrera; es en esta canción donde Drake atribuye su fama y popularidad a Dios diciendo que es parte su plan divino que éste esté en la posiciona que se encuentra actualmente. Hay que mencionar también que en ésta canción, se puede presenciar la primera respuesta a una de sus criticas dadas tanto por Pusha T  como por Kanye West, donde estos mencionaron que Drake hace música blanda debido a su color de piel; el canadiense responde que independiente de su pigmentación, él es negro (que es duro) en su interior. El débil ataque, en especial a Kanye, por parte de Drake continua en la canción "Emotionless", donde con un tono casi de angustia él menciona como sus ídolos han ido de mal en peor. Es en esta misma canción donde Champagne Papi hace la primera mención a la acusación sobre el por qué no hizo pública la existencia de su hijo, diciendo que no estaba escondiendo a su hijo del mundo, sino, al mundo de su hijo; ¿habrá alguien que le crea esa excusa? como si un bebe recién nacido fuera a entender lo adverso que es el mundo. Para comentar también que en esa misma canción, Drake hace muestra de su pensamiento abstracto auto-respondiéndose al por qué no había hecho la noticia publica con la frase "un hombre sabio una vez dijo nada en absoluto". Otro tema que se hace presente en el álbum, y con mayor presencia en el segundo disco, es esa obsesión con moldear a la gente a su gusto, sobre todo a sus parejas; algo que lleva haciendo por lo menos desde Views (2015). Ejemplo de lo anterior es la canción "Peak" donde de manera literal, Drake menciona, literalmente, que la chica con la que salía tenía potencial, pero tenía muchas opiniones que iban en contra de lo que él pensaba y que él la podría moldear para que la relación funcione (en serio, el que esconde un cabro chico?). Drake trata de hacer pasar piola su actitud sexista con la canción "Nice For What", que en la superficie parece una canción de empoderamiento femenino, pero al mismo tiempo hace mención a la interacción con las redes sociales para capear con la soledad como si fuese algo que sólo las mujeres hacen, cuando en realidad todo el maldito mundo lo hace. Debo felicitar a Drake por algo, la falta de una idea clara para cada canción hace más digerible el proyecto ya que pareciera que habla sobre algo en particular cuando en realidad solo dice un par de líneas para cada tema que aborda; bien jugado. 

Se me hace difícil poder hablar sobre las cosas buenas de Scorpion como proyecto, ya que, mientras más escarbaba en él, más cosas desagradables encontraba. Algunas de las cosas que no me gustaron ya las mencioné más arriba y siento que sería redundante hablar sobre ellas; pero, considero que el tema de hablar sobre su hijo se podría considerar como algo casi innecesario, ya que añadir esta nueva capa al proyecto hizo que se desordenara. Además, Drake, al menos con sus oyentes, no tiene por qué andar dando explicaciones sobre el asunto; y es aquí lo que me da más rabia sobre todo este proyecto, ya que toda la mención al tema no es más que un mero lavado de imagen. Uno de los temas más recurrentes durante toda la discografía del canadiense es que su padre lo abandonó cuando este era pequeño, y durante su beef con Pusha T, este último le dijo que estaba haciendo lo mismo que su padre. En Scorpion, Drake habla constantemente de sus logros, de lo buena persona que es y de la mala suerte que ha tenido en su vida; si eso no es apelar a la lastima y hacerse un lavado de imagen, entonces no sé lo que es. Volviendo al proyecto más en concreto, luego de varias escuchas, me di cuenta que le estaba pidiendo peras al manzano, así que lo volví a escuchar de manera más superficial; de esta manera, pude disfrutar el álbum un poco más, pero no tanto tampoco. Más encima Drake tiene la valentía, la audacia, la gallardía, los cojones de comprarse un feature del difunto Michael Jackson - debo mencionar que yo no soy muy fan de Michael, prefiero a Prince...pero es otro tema - donde su voz suena bastante fuera de tono y manipulada, dando como resultado algo tan sin respeto por la memoria de Jackson solo para que Drake pueda inflar más su ego. 

Canciones Favoritas: Elevate, 8 Out of 10, Can't Take a Joke, Talk Up, Blue Tint, 

Nota: 3,5/10