PLS PLS es un quinteto de Atlanta, Georgia y 'Jet Black' es su segundo disco de estudio, donde exponen un sonido basado en sintetizadores, electrónica e indie rock.
Un comienzo basado en sintetizadores da paso a un sólido track que tiene toques electrónicos pero que se establece dentro del rock alternativo. Sus partes orquestadas son lo que más destaca en 'Animals'. La química de la base rítmica con el piano cimenta la atmosférica 'We Don't Scare', siempre acompañada de inquietas teclas. 'Jet Black' (la canción) tiene texturas que la hacen un muy buen track de synthpop. Como si fueran los primos lejanos de Foster the People, 'This Is War' se adjudica una vibra bailable pero a la vez calma.
'Super Imposition' también es otro muy buen ejemplo de la mezcla de synthpop e indie-rock que PLS PLS trata de hacer suya. 'Broke' es una baja de revoluciones que en su mitad de duración ofrece un viaje sónico al año 3017. 'Laser Eyes' es ondera como ella sola. Bailable y totalmente rítmica, la canción para ser una fusión entre Radiohead y los ya mencionados Foster the People. 'Next!' resultaría un tanto estática a no ser por las fortuitas intervenciones de los sintetizadores. 'Fools' resulta dinámica pero un poco genérica, y finalmente 'Let You Down' resulta un poco densa siendo difícil de digerir al momento del cierre.
El segundo largaduración de los PLS PLS, la banda busca forjar un sonido propio y adueñarse de el, cosa que es bastante positiva. Sin embargo, hay algunos tracks aqui y alla que empañan un poco el resultado final. De todas maneras, 'Jet Black' tiene varios momentos entretenidos para la oreja.
6.5/10
Canciones Favoritas: Animals, Jet Black, Super Imposition, Laser Eyes.
¡Una de mis bandas favoritas está de vuelta! los Protistas, banda que sigo desde su segundo disco 'Las Cruces' fue un habitué cuando empecé a adentrarme más en la música Chilena por el año 2012, cuando descubrí a excelentes bandas como Dënver, Prehistöricos o los Ases Falsos.
La vara que 'Microonda' tiene que superar está bastante alta, ya que personalmente considero al anterior 'Nefertiti' como su mejor trabajo a la fecha. Sumándole a ésto, la banda vio partir hace un tiempo atrás al guitarra Julian Salas, uno de los principales causantes del notable sonido del anterior largaduración. Ambos factores acrecentaban las dudas de como sonaría este nuevo álbum de los Protistas.
¿Y a qué suena esta Microonda?
'Gato Mojao' abre el cuarto disco del reino más pequeño, siendo un track acústico bellamente adornado por el cello de Felicia Morales y los coros de la invitada a la que me referiré en el siguiente parrafo. El primer single 'Entre los dos no sumamos uno' tiene cierto aire al anterior disco 'Nefertiti'. Pegajosa y abordando la ruptura amorosa como tema principal, es uno de los puntos altos de este Microonda. 'Reina de la Ciudad' tiene resaltable trabajo en guitarra y sintetizadores, sin embargo la cadencia de la canción resulta más pasiva y menos efectiva que los dos anteriores tracks. 'Azumagado' consiste en una fusión de las anteriormente escuchadas 'Reina de la Ciudad' y 'Entre los dos no sumamos uno', tomando prestado el riff principal de la primera, y el ritmo de la segunda. 'Autopista del Sol' tiene una vibra bailable-rockabilly-egipcia-smiths que funciona de muy buena manera.
'Pequeño Pirata' es sencilla, sentimental y cálidamente acústica. Con Niña Tormenta de featuring, la canción instantáneamente juega a ganar. La incorporación de la cantante en este disco es fundamental, ya que junto a Álvaro Solar complementan vocalmente de gran manera, apareciendo en varios pasajes realizando coros. 'De Casa en Casa' también encanta súbitamente por su onda ochentera casi bailable y líricamente de piel. 'Microonda'(la canción) es instrumentalmente contundente, aunque su línea vocal no me convence. 'Madre Joven' suena bastante experimental, donde la banda juega con el sinth-pop y el new-wave, que a mi parecer también queda al debe. El cierre queda a cargo de 'Historia Natural', una gran canción que debe tener mínimo 5 años de antigüedad y que la banda suele tocar en sus directos, siendo una canción de culto que por fin sale a la luz con este nuevo lanzamiento. Pulcra y ampliamente bella, la última canción del Microonda tiene madera de clásico en la discografía de Protistas.
'Microonda' cumple con creces su cometido. Si bien no logra esa notable uniformidad que plasmó 'Nefertiti', el cuarto álbum de Protistas deja un buen puñado de recordables momentos.
7.5/10
Canciones Favoritas: Gato Mojao, Entre los dos no sumamos uno, Pequeño Pirata, De Casa en Casa, Historia Natural.
A Veces Amanda es una banda indie-pop emergente proveniente de Santiago de Chile que a finales de Septiembre publicó su primer EP llamado 'Sumergidos', obra de una intro y seis canciones. Junto con la grabación de su primera obra, Con Seba Gallardo, vocal de We Are The Grand en las perillas, los A Veces Amanda han sumado varias pequeñas victorias a lo largo de su incipiente carrera: tocar regularmente dentro del circuito nacional y abrir para Alex Anwandter en la popular discoteca Blondie.
Con este EP, el conjunto liderado por Nicolás Gallegos demuestra lo bien cohesionados suenan y que a futuro pueden llegar a sonar. Claro ejemplo es la canción con vocación de hit con mucha influencia del actual pop de guitarras llamada 'Manos', la strokera'Antes de Dormir' que puede cautivar muchos oídos con su simpleza, o la que podría ser fácilmente un opening de anime que lleva mismo nombre que el epé logran entretener por sus letras y melodías.
'Mundo Paralelo' es posee un gran trabajo instrumental con un muy buen solo de guitarra, mientras que 'A Medianoche' también posee vocación de hit de fácil escucha por su minimalismo instrumental y coro pegajoso. 'Al otro Día' es la canción que cierra esta pequeña obra musical, siendo un track de voz y guitarra acústica ideal para las noches de fogata.
'Sumergidos' resulta ser una muy buena carta de presentación por parte de A Veces Amanda, que gracias a este epé ya empieza a sonar como promesa dentro de la escena musical chilena.
7/10
Canciones Favoritas: Manos, Mundo Paralelo, Al otro Día.
Puedes descargar este epé en su página de bandcamp!
Ralegh Long es un cantautor británico, hacedor de plácida música cercana al folk-rock. 'Upwards of Summer' es su segundo disco.
'Take Your Mind Back' podría considerarse una canción pegajosa, bien amigable a las radios. La formula se repite, pero en menor impacto con 'Sleeping on my Dreams'. La canción que lleva mismo nombre que el álbum tiene una onda más pausada y centrada en guitarras acústicas que logra ser efectiva. Mismo efecto de calma posee esta vez la centrada en andolina 'Big August'.
'You're So Right' debe ser una de las más recordables de la placa, ya que posee calidad de himno country-folk. Junto con la notoriamente influenciada por los Beatles y especialmente George Harrison 'Take It', conforman un notable dúo. 'Into the Woods' y 'The Combine' también poseen buenas intenciones, pero no logran aportar una diferencia significativa a los sonidos anteriormente escuchados. La breve pero más acelerada 'Heart on the Line' muestra otra posibilidad sónica que Ralegh tenía bajo la manga, y el cierre con 'Home' tiene una vibra más intima que las anteriores, pero con la misma placidez de siempre.
'Upwards of Summer' es un disco ideal para largos viajes a lugares lejanos. Quizá no sea un disco indispensable, pero de todas maneras consigue cumplir su objetivo de mantener al oyente en un estado de armonía más que grato.
6.5/10
Canciones Favoritas: Take Your Mind Back, You're So Right, Take It.
The War on Drugs, conjunto de indie rock y neo-psicodelia liderado por Adam Granduciel vuelve al ruedo con su cuarto álbum titulado 'A Deeper Understanding'. Hace tres años atrás, la banda que nos cita a esta reseña lanzó uno de los mejores discos de ese año. El llamado 'Lost in a Dream' contenía pasajes catárticos de psicodelia, folk y krautrock, que hizo que el conjunto oriundo de Philadelphia lograra reconocimento mundial a través de los medios y prensa especializada.
Ahora, el nuevo disco de War on Drugs supone una continuación de su anterior elepé, sonando de manera muy parecida, teniendo instrumentaciones similares al disco del 2014 como así también en su duración, con varios tracks que sobrepasan los seis o siete minutos. Una característica nueva son los exclusivos 11 minutos del track 'Thinking of a Place' que a simple vista se ven excesivos para tan pocos cambios de acordes. No me malinterpreten, aquí también hay muy buenos momentos como la triada que conforman 'Pain', Holding On y 'Strangest Thing', pero de todas maneras no hay muchas novedades en sonido y propuesta.
Si aún no conoces a la banda, te recomiendo que empieces con 'Lost in a Dream', apuesta segura para cumplir con todas las expectativas musicales de cualquier oyente promedio. Este nuevo disco de The War on Drugs es como la segunda parte de una película excelente: uno sabe de antemano que la secuela no será mejor que la primera.
Steven Wilson haciendo música pop: ¿que hay de extraño en ello? Se sabe que el tipo es completamente versátil musicalmente, y el hecho que decida hacer algo fuera de su zona de confort es algo bastante interesante. Pero, 'To The Bone', quinto álbum en la carrera solista del británico, será tan pop como el músico afirma que es?
La canción que abre la obra y que también lleva el mismo nombre es una amplia demostración de lo versátil que puede ser la mente musical de Steven Wilson, usando recursos poco utilizados dentro de su catálogo como una armónica o bongos. 'Nowhere Now' tiene cierto feeling pop en sus guitarras y coro, pero no es una canción del todo pop, ya que cualquier riff o solo de guitarra ejecutado acá podría encajar facilmente en una canción de Porcupine Tree. 'Pariah' tiene un aire fantástico y futurista en su musicalización. Hay dinamismo por donde se le mire, con participación de voces femeninas y bases cercanas al trip-hop. El cierre de la canción resulta ser épico.En 'The Same Asylum as Before' la voz de Steven no convence con ese falsette tan forzado, después de aquello, la canción no logra sobreponerse ante aquel percance.
'Refuge' es una sentimental balada que podría sonar de soundtrack en cualquier serie de ciencia ficción. Luego, el prog-rock no se hace esperar y todo se desenvuelve en un gran momento instrumental, que finaliza con un melancólico piano acompañado de una melodía de armónica. 'Permanating' es totalmente rechazable. Esa batería tan plástica y la postura vocal que Wilson decide adoptar aquí es para saltarse la canción. La breve 'Blank Tapes' logra construir una consistente unión entre arpegios de guitarra y acordes de piano. Aquí, la voz femenina de Ninet Tayeb otra vez marca diferencias. 'People Who Eat Darkness' parece ser un homenaje al rock clásico con su intro, sin embargo, era un distractor: éste es otro track de base prog-acústico con etiqueta Steven/Porcupine.
'Song of I' es un híbrido entre trip-hop e industrial que posee deliciosas partes orquestadas, siendo un track novedoso y efectivo. Las últimas dos canciones del disco son las más extensas, primero 'Detonation', con 9 minutos y medio de duración, siendo un track de base prog pero con agujeros espacio-musicales trip-hop de bases inusuales y mucho misterio reflejado en guitarras, o partes hasta más orientadas a la música disco. 'Song of Unborn', canción final de también 9 minutos y monedas, tiene el común aire épico prog como algunas otras de trabajos anteriores de Steven.
Al final, 'To The Bone' no es tan pop como pensaríamos que iba a ser. Sólo es una pequeña desviación hacia terrenos un poco más accesibles. Podemos ver experimentos inusuales que no se habían visto antes en la carrera del británico, pero más se experimentan lugares comunes de lo que ha sido su carrera en solitario y en Porcupine Tree. Eso sí, en cuanto a calidad, el disco se queda un poco atrás respecto a los últimos notables antecesores 'The Raven that Refused to Sing' o 'Hand.Cannot.Erase'. De todas formas esto no quita que el álbum 2017 de Steven sea más que decente.
7/10
Canciones Favoritas: Pariah, Blank Tapes, Song of I.
Canciones No Favoritas: The Same Asylum as Before, Permanating.
Es raro cuando una banda cambia drásticamente de estilo y le sale bien. Claro ejemplo de aquello son los Turnover. Si sus primeros trabajos como su EP homónimo (2011) o el disco debut 'Magnolia' (2013) se basaban en canciones pop-punk que apenas pasaban los tres minutos, el cambio de folio vino de la mano con el segundo largaduración 'Peripheral Vision' (2015) donde la banda apostó por un sonido más ligado al indie y dream pop. El nuevo disco de los de Virginia llamado 'Good Nature' llega para confirmar aquel sonido y abrazarlo con más fuerza que la primera vez.
Ejemplos de excelentes piezas hay por doquier: 'Super Natural', la inicial y quizá la más recordable, está fácilmente entre las mejores. 'Sunshine Type' y 'What Got in a Way' hacen musicalmente un notable tándem que te inunda más en el brillante camino de Turnover. Mismo caso ocurre con 'Curiosity' y 'Pure Devotion', con luminosas y melodiosas guitarras.
Canciones suavecitas, agradables y que se asemejan a una grata tarde soleada de primavera. Los Turnover logran su mejor trabajo a la fecha con 'Good Nature', una completa dosis de positividad a nuestros oídos.
7.5/10
Canciones Favoritas: Super Natural, Sunshine Type, Curiosity, Pure Devotion, Nightlight Girl.
Simplemente, uno de los regresos del año: Una de las bandas pináculo del shoegaze llamada Slowdive vuelve a la lanzar música inédita después de 22 años. Tras la reunión concedida en 2014, estando casi 20 años fuera de las pistas, el conjunto decide comenzar a tocar en diferentes festivales importantes en USA y Europa. En Mayo de 2016 señalarían a la prensa especializada que estaban trabajando en un nuevo álbum, y finalmente esto es el resultado después de dos décadas sin continuidad musical, plasmándose éste disco homónimo.
El comienzo de disco con 'Slomo' es esperanzador: shoegaze evocador de paisajes tranquilos y melancólicos. Excelente trabajo con atmósferas que evocan nada más que armonía espiritual. 'Star Roving' tiene un comienzo prometedor que musicalmente tiene a decaer mientras va fluyendo, volviéndose una tediosa canción con varios minutos de más. 'Don't Know Why' es mi favorita de la placa. Tiene todo lo que se requiere para que una canción hecha por Slowdive sea interesante y audiblemente desafiante. Las baterías, guitarras y la suave voz de Rachel Goswell se unen en un vendaval de sonido. 'Sugar for the Pill' trae quizá lo más accesible hecho por Slowdive, con texturas suaves en plan dream pop.
'Everyone Knows' pareciera dar otra impresión con su comienzo acústico, cambiando drásticamente todo con una pesada muralla sónica de guitarras que pareciera absorber todo instrumento a su paso. La canción pierde personalidad y sensibilidad por esto. 'No Longer Making Time' pareciera ser extraída del icónico elepé 'Souvlaki', por su sonido melódico y centrado en coros. Lo único malo es que suena demasiado forzada en su intrumentación. 'Go Get It' peca de ser demasiado plana y ser carente de tensión a rasgos generales. La cosa mejora bastante con el cierre llamado 'Falling Ashes' un riff de piano omnisciente logran que ésta canción sea la más melancólica de la placa. Si, ocho minutos de duración me parecen excesivos para una canción tan repetitiva como ésta, pero rescato el sentimiento que logra dar encima de todo lo técnico.
Quizá me hice muchas expectativas con el regreso de Slowdive. Quizá esperaba otro 'Souvlaki' y lo que conseguí fue un disco más pasivo y sin muchas ambiciones. Y pensándolo bien, esta bien que sea así. Ninguno de los miembros está en sus 20s, sino que la mayoría sobrepasa la medianía de los 40s. Las cosas cambian con el tiempo y las personas no son las mismas 22 años después. Lo que sí se valora es que se hayan reunido de nuevo para hacer música, (y lo que se espera en unos años más es que hagan más y mejores discos).
Ha llegado la hora de reseñar un disco que estuve esperando por mucho tiempo. Es el nuevo disco de una banda que me ha marcado tanto como Radiohead o los mismísimos Beatles. Ellos son los Brand New, banda desconocida para muchos, considerada infravalorada por sus conocedores, y para otros un culto que sobrepasa los parámetros musicales.
Misteriosos como ellos solos, los bien o mal llamados "Radiohead del Emo" llevaban 8 años sin publicar nuevo material, siendo éste calurosamente y constantemente requerido por una base de fans que literalmente habían escuchado una y otra vez las canciones de los anteriores cuatro discos hasta el cansancio. Sorpresivamente, a mediados de Agosto, el elepé número 5 del cuarteto de Long Island fue liberado, y la expectación mediática no se hizo esperar. Esto, antecedido por los dichos del vocalista y guitarra Jesse Lacey en un concierto, señalando entre lágrimas "Ya no puedo seguir haciendo esto" sumado de merchandising que señalaba el inminente fin del conjunto (Brand New 2000 - 2018), indicando indicios de cese de actividades por parte de la banda.
61 minutos y 12 canciones contiene el quizá ultimo disco de una de mis bandas favoritas. También es el primer largaduración de Brand New en llegar al puesto #1 del billboard. Logro no menor para una banda de culto.
Las primeras conclusiones que puedo sacar el disco, después de haberlo escuchado ya por lo bajo una decena de veces son las siguientes: Primero, éste, como la mayoría de los discos de Brand New, necesita un análisis exhaustivo para poder apreciar totalmente cada una de sus canciones, por lo que se justifica no haber realizado esta reseña en un tiempo mas cercano a su fecha de lanzamiento. Segundo, los detalles. Los benditos detalles. Siempre hay algo, algún sonido nuevo que se va descubriendo en los discos de Brand New. Es solo cuestión de tomar atención a cada pequeña cosa que compone cada canción. Y finalmente (y aunque suene muy fanboy), adoro este disco y no hay día que no escuche al menos 3 o 4 canciones de éste. Quizá mi opinión de fan predomine por sobre la del crítico que vive dentro de mi, e influencie la calificación que este disco recibirá, pero bueno, es mi blog no?
El comienzo con 'Lit Me Up' es un track sumamente oscuro. Una sombría instrumentación representa claramente lo que la letra trata: rehabilitación psiquiátrica, junto con traumas y miedos que todos tenemos dentro. La inseguridad que te quema como si fueras una bruja en un pueblo puritano.
'Can't Get It Out' debe ser una de las que más rápido me enganché. Una canción que saca cierta simpleza de Weezer, pero que se transforma en una desgarradora muestra musical de tristeza. 'A veces no puedes salir' es lo que más repite Jesse en la canción, una clara apología a la depresión que él y tantas personas padecen. Y es tan cierto. A veces no puedes resistirte ni sentirte de una manera diferente. A veces, la depresión te carcome y te domina. A veces, no puedes salir.
Un grito nos saca del estado de consternación que nos tenía presos la anterior canción e inicia 'Waste', un track centrado en guitarras acústicas, donde Jesse mantiene una conversación con su yo del pasado, haciéndole entender que le perdona por haber cometido tantos errores años atrás.
'Could Never Be Heaven' es la más romántica. En una vibra muy a-la-Morrissey, Jesse canta junto con su acústica que podría no haber un cielo contigo. 'Same Logic/Teeth' es perfección hecha canción. Bendings de guitarra hacen entrever que la canción será caótica y profundamente triste. Y así lo es. Auto lesiones y salud mental son los temas centrales en la lírica de la pieza. La liberación de tensiones en las partes distorsionadas del track reflejan porqué Brand New es uno de mis actos predilectos.
'137' tiene un comienzo muy nirvanezco. Luego, aparece la melodía central de la canción en guitarra y luego en voces y todo se vuelve vertiginoso y gradualmente emocional. Fin del Mundo. Bombas Atómicas. Frases que podrían ir de la mano algún día, que se mezclan y se vuelven el tema central de la canción.
Juguemos todos a Nagasaki,
Que bonita manera de morir,
Iremos todos al show final,
Para que nadie tenga que decir adiós.
Otro momento notable se deja caer con 'Out of Mana', una de las más directas y accesibles de la placa. Las guitarras juegan un rol crucial, siendo el guitarra lider Vince Accardi el protagonista del track por los constantes efectos de guitarra que completan una impecable performance del guitarrista
'In the Water' tiene una vibra a americana por sus arpegios tan folk, adornados por una armónica al principio de la pieza. Hay un solo notable por parte de Accardi y un coro muy grunge. Y otra vez parece ser cierto: la letra de ésta canción parece afirmar que los Brand New están por colgar sus instrumentos.
'Desert' resulta ser un retrato de lo que son algunos sectores de USA, donde hay personas cristianas pero que también son homofóbicas y anti-inmigrantes. Aquí en Chile, y posiblemente en todos lados también hay personas que tienen el mismo comportamiento. Esta canción me hace sacar la siguiente conclusión: Si dicen que Dios es Amor, ¿porque predicar en base a un discurso de odio? Otra gran canción, especialmente en sus guitarras y en su mensaje.
'No Control' es una de las mas simples en su estructura, pero cautiva con su crudeza tan propia de Nirvana. '451' debe ser la canción que más me ha costado digerir. No sé, su aire entre blues y música tribal por ahora no logran convencerme, aunque sea probable que en un futuro no lejano la canción termine por gustarme.
'Batter Up' es un emocional cierre de placa. Jesse nunca imaginó pasar tantos años de su vida en algo como Brand New, teniendo que lidiar consigo mismo y con problemas externos que cada día lo estaban agotando más y más. Una canción de resignación y aceptación de los hechos. Esto tendría que parar algún día, y finalmente, para la tranquilidad mental de Lacey, lo ésta haciendo. 'Science Fiction' es un casi perfecto cierre para culminar una gran carrera. Una banda que se extrañó cuando estuvo ausente y que totalmente se extrañará cuando deje de existir. Y aunque lamente saber que nunca vendrán a latinoamérica a tocar sus shows finales por ser escasamente conocidos, Brand New estará por siempre sonando en mis oídos, acompañándome en mis días más brillantes como también los más oscuros, cuando deba pelear contra mis demonios internos.
9/10
Canciones Favoritas: Lit Me Up, Can't Get It Out, Same Logic/Teeth, 137, Out of Mana, Desert.
5 largos años tuvieron que pasar para que los de Brooklyn lanzaran un nuevo disco de estudio. 5 años después de aquel dubitativo 'Shields' del año 2012 que estaba sumamente cargado de cuerdas y canciones poco digeribles que ni sombra le hizo a la obra maestra que fue 'Veckatimest', obra del ya lejano 2009. El nuevo disco llamado 'Painted Ruins' viene con la misión de reafirmar el puesto de una de las bandas más prometedoras y novedosas del rock mundial. Esos que alguna vez fueron requeridos por los mismísimos Radiohead para que teleonearan sus conciertos.
'Wasted Acres' es un amanecer hecho canción. Concisa y precisa, el track inicial trae consigo los coros ya característicos del conjunto y buenas dosis de guitarras y percusiones. 'Mourning Sound' tiene a ser plana como una carretera, pero su aventura basada en sintetizadores y una consistente línea de bajo la hacen ser un track memorable. 'Four Cypresses' es otro track que combina elementos del pasado y la vez futuristas. Un choque entre líneas de tiempo que me hizo recordar un poco al sonido de los primeros discos de King Crimson.
'Three Rings' es densa en su sonido, pero no por eso repetitiva o tediosa. De hecho, el track tiene varios matices que la hacen destacable como la base rítmica y el mismo coro. 'Losing All Sense' tiene una vibra ochentera y una instrumentación llena de ganchos en plan garage-rock, que la hace indispensable dentro del elepé. La esencia de rock clásico impuesta en 'Aquarian' y 'Cut-Out' se puede denotar a kilómetros de distancia, mientras que la tensión y suspenso instrumental hacen de 'Glass Hillside' uno de los mejores momentos del disco. 'Systole' también cautiva por su sonido onírico, mientras que otras como 'Neighbors' o 'Sky Took Hold' tienden a perderse un poco en su propia complejidad.
'Painted Ruins'es un regreso a la forma que Grizzly Bear nos tenía acostumbrados. Sin ser un trabajo deslumbrante, tiene los recursos necesarios para ser un disco que merece muchas escuchas y especial atención.
7.5/10
Canciones Favoritas: Mourning Sound, Four Cypresses, Losing All Sense, Glass Hillside, Systole, Three Rings.
Como Talar un Alerce es el nombre del proyecto liderado por José Antonio Mena, que junto a varios amigos logran crear un elepé de ocho canciones que pasa por terrenos del Jazz, folk, la World music y hasta giños al post-rock.
'Quiero bañarme en ese rio' ejerce misterio y curiosidad por su vibra norteña empujada principalmente por el charango y secundada por gruesas percusiones. Una introducción de cómo fabricar un afilador de cuchillos abre el track llamado 'Matar al Asador', donde instrumentos acústicos, teclas, coros y una melodiosa trompeta van armando un grato camino sonoro con guiños al jazz. 'Crepitar' me trae recuerdos del húmedo paisaje del sur de Chile, es decir un paisaje con casi permanente lluvia y verdes prados. Aquel es un claro ejemplo de que el conjunto se luce forjando paisajes sonoros en diversos momentos de la placa.
'Los Viejos' tiene un aire a post-rock soñador en su estructura, aunque tenga principalmente elementos no electrificados como la guitarra acústica y clarinete, adornado por audios de octogenarios. 'Panama Papers' es grata y totalmente playera, asemejándose a un día extremadamente caluroso en un balneario tropical, tomando sol y escuchando el sonido del mar. La canción que tiene mismo nombre que la banda y el elepé, tiene un aire nocturno y casi tribal. Cantos gregorianos y sonidos de motosierra hacen que esta canción tenga matices inusuales pero interesantes.
'Últimos días en casa' tiene una primera parte de belleza y suspenso acústico, mientras la segunda parte tiene un aire jazzistico y lúdico (hasta medio pesadillezco a ratos) donde el clarinete se hace protagonista. La ultima canción, llamada 'Canción de cuna para Miguel Krassnoff' es irónica e infantil al comienzo, pasando a tomar aires oscuros y tétricos. Simplemente, una canción de cuna ideal para asesinos despiadados de la dictadura como aquel sujeto.
Música instrumental, que podría caber como anillo al dedo a cualquier película de cine arte, de alguna hazaña histórica o incluso de terror. Las texturas sonoras demostradas en CTUA son variadas, a veces coloridas y a veces sombrías. Gracias a trabajos como éste, la música instrumental puede ser apreciada y valorada.
7.5/10
Canciones Favoritas: Crepitar, Panama Papers, Matar al Asador.
