jueves, 24 de mayo de 2018

Black Foxxes - Reiði (2018)

A primera vista, al ver aquella palabra foránea que aparece en el título del segundo álbum de Black Foxxes, la gente que no conoce a esta banda podría pensar que es una banda proveniente de Islandia, la misma tierra de Björk y Sigúr Ros. Pero no, el trío conformado por el vocalista y guitarrista Mark Holley, el bajista Tristan Jane y el baterista Ant Thornton son provenientes de Exeter, localidad propia de Inglaterra. 

La palabra ‘Reiði’ significa en español cólera o rabia, siendo el elemento principal en el segundo capítulo de esta banda británica, que maneja un sonido bastante ligado al rock alternativo de los 90s, tomando de referencia directa artífices como Smashing Pumpkins, Jeff Buckley o todo lo que engloba al grunge.  

Entonces, dicho esto, se tienen dos posibilidades: que la banda que posea aquellos sonidos de referencia fracase por el extenso tiraje que se la ha dado a aquellas influencias, o tratar de hacer algo diferente a base de aquella regla sónica. 

Al comienzo, todo parte muy bien con ‘Breathe’ siendo un tema básicamente post-grunge, con una estética muy parecida a lo que hizo Fuel o en menor medida Silverchair en los 2000s. Dicho esto, no deja de ser una canción bastante abordable. El siguiente tema también cumple los requisitos para ser uno disfrutable, ya que se puede ver una cara sónica diferente de Black Foxxes, en este caso con ‘Manic in Me’ entregando un sonido más ligado al emo

El tercer track, de nombre ‘Sæla’ (que quiere decir felicidad en islandés) es uno de los cortes más radiales rock/pop que se podrían encontrar en este álbum. ‘The Big Wild’, pieza que llega a continuación, también tiene esa chispa, con un coro bastante oreja y una instrumentación que llega a agradar.

La que llega como una especie de balada (‘It Had to be You’) tiende a ser un poco más difícil de digerir por la diferencia de efectividad, cosa opuesta que los anteriores tracks poseían. Las cosas empiezan a decaer en términos cualitativos con ‘JOY’ y ‘Am I Losing It’. La primera es un esfuerzo malogrado por hacer una canción a lo Nirvana o como At the Drive In, pero agregando momentos limpios bastante poco inspirados, y la segunda peca de ser constantemente plana. 

La que logra elevar el espíritu que estuvo en alto en las primeras cuatro canciones es ‘Flowers’ de estética soñadora y muy bien trabajada en guitarras e intensidades. Llegando ya a las últimas dos canciones del disco, ‘Take Me Home’ es en su totalidad armoniosa, menos en su clímax donde llega a marcar una gran diferencia, salvando a la canción de una peligrosa monotonía y haciéndola interesante, y finalmente llega ‘Float On’, que cierra de manera lúcida y rabiosa al final, pero un tanto extendida. Quizá si la canción hubiera sido más compacta, hubiera tenido un mayor efecto al concluir.

Sin ser una obra maestra, ‘Reiði’ consigue su propósito: ser un muy buen disco de Rock alternativo. Y aunque tenga sus vicios y canciones de sobra, se les perdona, ya que es recién el segundo disco de una banda con un largo futuro más allá de sus narices. La música de guitarra aún puede ser atractiva en el año 2018, y Black Foxxes es prueba de aquella tesis.

7,5/10

Favoritas: Breath, Manic in Me, Sæla, The Big Wild, Take Me Home.

No Favoritas: JOY, Am I Losing It.




martes, 22 de mayo de 2018

Frankie Cosmos - Vessel (2018)


Pareciera que a este punto, el poder femenino ya se tomó por completo el indie rock, porque hay artistas como Frankie Cosmos que están marcando una tendencia en los últimos discos que han salido, apuntando a un sonido en común. Si hace poco Soccer Mommy dejó caer un bombazo con su LP debut ‘Clean’, el tercer álbum de estudio de Greta Kline-más conocida como Frankie Cosmos- es la consolidación de un movimiento de indie-rock-femenino de gran peso cualitativo.

El flamante trabajo de Frankie llamado ‘Vessel’ posee 18 canciones, pero su cantidad de tracks no significa que sea un disco largo, pues la mayoría de sus canciones no llega a superar los dos minutos, haciendo que el tracklist se vuelva fugaz y disfrutable por pasar tan rápido de un track a otro, como si en las letras fueran plasmadas entretenidas historias resumidas al máximo.

Desde la partida se puede denotar la limpia dulzura a dos voces que puede ofrecer ‘Caramelize’, una de las canciones más largas de la placa, y eso que dura sólo tres minutos y medio.  Conservando los mismos elementos, pero siendo más compacta, el segundo track ‘Apathy’ continua con la idea propuesta desde el comienzo. Luego, llegaría una breve declaración de amor con ‘As Often As I Can’, donde Frankie le hace saber sus sentimientos su media naranja cada vez que ella puede.

Un momento acústico se desata en ‘This Stuff’ donde Frankie despliega un manifiesto más adolescente: dice no sentirse igual que las demás personas de su edad, que quiere hacer giras con una van rosa y que necesita hacérselo saber a alguien más, quizá a sus padres o familia. Hacia el final del track, se puede escuchar el sonido del gato-teclado que ha sido bastante popular en internet.

El formato banda vuelve en ‘Jesse’, una de las canciones más representativas del disco, que hace una gran dupla con la siguiente llamada ‘Duet’, una irresistible pero demasiada corta pieza que alcanza a llegar a niveles críticos de dulzura. ‘Accommodate’ tampoco se queda atrás, aportando algo más de velocidad al tracklist. La mini balada ‘I’m Fried’ gana peso con unos coros grupales muy bien logrados. 

La fugaz ‘Hereby’ y la acelerada ‘Ballad of R&J’ retrata lugares comunes del sonido anteriormente expuesto, siendo antesala para otra de las mejores canciones del elepé. La mencionada ‘Being Alive’ es todo lo que podría representar el sonido de Frankie Cosmos, funcionando de muy buena manera como pieza central del disco. 

Dentro de la última parte del disco, se podrían destacar la simpleza y dulzura de ‘Bus Bus Train Train’, el lado más dinámico en lo instrumental con ‘Cafeteria’ o el corto momento acústico pero entibiador de corazones ‘The End’. 

Siempre que hay discos con un largo tracklist, el oyente se podría cuestionar si hay canciones de sobra o algunas no serán de su gusto, pero al parecer no hay mucho de aquello en ‘Vessel’, una aventura musical de un poco más de media hora que Frankie Cosmos logró gestar a punta de dulzura y honestidad post-adolescente.

8/10

Fav Tracks: Caramelize, This Stuff, Jesse, Duet, Accommodate, Being Alive, Bus Bus Train Train, Cafeteria, The End.





viernes, 18 de mayo de 2018

Panorama Clásicos: Soundgarden - Superunknown (1994)



A ya un año de la repentina y dolorosa partida de Chris Cornell, una de las voces más potentes y aclamadas dentro del mundo del Rock, rememoramos su legado reseñando el disco más crítica y comercialmente aclamado de la banda que lo llevó a la fama, Soundgarden; una de las bandas más importantes del movimiento Grunge y de los 90’s en general. En esta instancia de Panorama Clásicos reseñaremos el álbum Superunknown, lanzado el 8 de Marzo de 1994.

 Luego de una extenuante gira, y un disco anterior que los ayudó a poder alcázar el éxito mainstream; a casi finales de 1993, la banda Soundgarden se encierra en el estudio para poder generar su cuarto y más comercial/críticamente aclamado álbum, Superunknown. Para la fecha en la que el disco fue lanzado, la banda ya constaba de una sólida popularidad; esto debido al buzz que fueron creando gracias a sus trabajos anteriores, sobre todo su disco Badmotorfinger (1991)y el inesperado éxito de la canción “Hunger Strike” del disco Temple of the Dog, homenaje al difunto amigo de Chris Cornell, Andrew Wood.

Como mencioné más arriba, Superunknown es el disco mejor recibido de la banda; es su disco mejor vendido hasta la fecha según la RIAA, debutó como N°1 en Billboard, y dos canciones del álbum obtuvieron premios Grammy. A pesar de lo anterior, es posible notar que el LP es el más musicalmente experimental, como al mismo tiempo, el más líricamente abierto. Lo anterior nos muestra a una banda en el punto más alto de su capacidad creativa y artística, ya que todos los miembros de la banda juegan un rol fundamental en el desempeño del disco; es así también apreciable la evolución de la banda desde sus raíces más cercanas al Punk hacia un Rock más clásico y psicodelico.

Si analizamos musicalmente el disco, nos damos cuenta de que, en vez de poner las influencias del disco al frente de éste, Soundgarden las integra a su propio sonido, de esta manera puliendo las esquinas de un estilo muy particular y diferenciable de sus contemporáneos del mismo movimiento. Soundgarden se hizo popular gracias a su uso de afinaciones poco convencionales, pero a esas alturas el Drop D ya había sido bastante utilizado por la banda; a pesar de eso, las canciones “Let Me Drown”, “Spoonman” y “Black Hole Sun” utilizan ésta afinación. En el resto del disco las afinaciones varían constantemente, pelo la banda las maneja y ejecuta a la perfección, claro ejemplo de esto son las canciones “Mailman”, “My Wave” y “Half”. Pero junto a las afinaciones, los tiempos ocupados durante el disco son de la misma manera inusuales pero perfectamente ejecutados por la banda; ésta combinación, además de las influencias de música hindú, dan como resultado un álbum disfrutablemente denso, crudo, pesado y psicodélico. 

Líricamente hablando, y como ya mencionamos más arriba, Superunknown es un disco bastante abierto con sus tópicos; y eso pasa meramente por lo directas que son algunas de sus canciones en sus letras. Los temas principales del disco son el miedo, la adicción, pensamientos suicidas, la ansiedad; temas algo recurrentes para Soundgarden y el Grunge en general, pero haciendo un análisis un poco más profundo se podría desprender la idea de que el tema principal del álbum es otro. A pesar de lo oscuro que es el álbum, el tema principal se podría definir como el auto-cocimiento, cuales son los problemas que a uno lo aquejan y el por qué; así también la percepción de uno mismo, ejemplo de esto es la canción "Spoonman". Canciones como "Fell on Black Days" y "The Day I Tried to Lived" son fáciles de descifrar debido a que siguen una línea lógica según su título, pero canciones como "Limo Wreck", "4th of July" y "Black Hole Sun" necesitan un poco más de comprensión lectora para entenderlas. La primera se habla sobre la vergüenza hacia ya sea la tristeza o actos decadentes como el abuso de sustancias, la segunda cuenta la experiencia de Chris en un viaje de LSD, y el tema de la tercera va a depender meramente de como el oyente la quiera interpretar. 

Superunknown es un álbum que no solamente re-definió a Soundgarden, sino también la percepción de hasta donde el Grunge es capaz de llegar, o capaz de entregar; ya que, en comparación con otros álbumes del mismo estilo, Superunknown es mucho más artísticamente complejo, profundo e interesante. Muchos de los temas tratados no son nada nuevo, pero Chris Cornell era mucho más poético y/o abstracto que otros letristas de su generación. El disco podría considerarse un álbum perfecto por lo que hemos dicho; pero, y esto es mi opinión, y me hago responsable de ella, el álbum tiene una canción que se podría considerar como su talón de Aquiles. La canción "Kickstand" rompe con toda la dinámica experimental que la banda trata de establecer, ya que esta canción ,con obvias influencias Punk debido a su duración y ejecución, se podría pensar como la banda volviendo a su nicho para retomar fuerzas para seguir con la dinámica. A pesar de lo anterior, este disco lo sigo considerado uno de los mejores de los 90´s, así también mi disco favorito de mi banda favorita.



Canciones Favoritas: Let Me Drown, Fell on Black Days, Mailman, Superunknown, Head Down, Black Hole Sun, Spoonman, Limo Wreck, Fresh Tendrils, 4th of July, Like Suicide


Nota: 9,5/10






lunes, 14 de mayo de 2018

Kali Uchis - Isolation


Kali Uchis es una cantante nacida en Colombia pero criada en Estados Unidos. Desde temprana edad se mostró interesada en la música, lanzando su primer mixtapeDrunken Babble (2012) a la edad de 19 años, el cual le generó un una ola enorme de comentarios positivos. Pero no es hasta el lanzamiento de su EP, Por Vida (2015)que empieza a ganarse un puesto dentro de la industria musical; esto debido a la ayuda de personajes bástate reconocidos, como lo son Tyler, the Creator, BADBADNOTGOOD e inclusive Diplo, que la ayudaron en la creación del EP. Todo el hype que ha producido  Kali la ha llevado a colaborar con artistas como Juanes, Snoop Dogg y Gorillaz.

Kali Uchis nos presenta en ésta ocasión su primer LP, Isolation. Éste álbum nos muestra a una cántate dispuesta a dejar su marca en la industria musical actual; ya que, a pesar de que la mayoría de los sonidos y las letras son capaces de evocar emociones, lugares, sensaciones de una manera bastante tangible, Kali confía de manera constante en influencias del pasado y la nostalgia en general; ademas de poseer una fuerte y llamativa personalidad. Todo lo anterior es posible de apreciar1 gracias a una casi excelente ejecución por parte de Kali como cantante, y de la gente que la ayuda en la creación y producción del disco ya que ambos aspectos se mezclan de manera sublime para poder dar como resultado un álbum que de seguro estará en varias listas de lo mejor del año.

Dentro de la primera escucha del disco en su totalidad, se puede apreciar la influencia de una variedad de estilos musicales que, independiente de la poca interacción entre ellos, generan que el flujo del tracklist corra de manera cómoda, ininterrumpida y armoniosa. Los estilos mostrados en el disco se mueven entre el Soul, el ReggaeDancehall, el R&BBossa Nova, e inclusive el Reggaetón; pero, dentro de todo este revoltijo de sonidos que se desarrollan dentro del álbum, se es capaz de percibir una vibra un tanto húmeda, melancólica y bastante seductora. Junto con lo anterior, la inflexión vocal de Kali fortalece los puntos descritos anteriormente, ya que todos los estilos dentro del álbum, junto con la voz de Kali se unen de una manera suave y armónica. Como cada canción del disco de desarrolla de manera individual, los artistas invitados juegan un rol fundamental en el desarrollo de estas canciones; tenemos a Thundercat, tocando bajo en “Body Language”; en “In My Dreams”, Damon Albarn hace una pequeña pero significativa aparición; “Tomorrow” suena como una canción hecha para el último disco de Tame Impala, esto es debido a que Kevin Parker cumple con el rol de productor; y en “After the Storm”, Bootsy Collins (bajista de James Brown, Parliament y Funkadelic) hace el rol de presentador y coros.

De la misma manera que el sonido de las canciones, su letras parecen no converger en un tema general entre ellas; a pesar de eso, su puede llegar a apreciar que hay temas que se parecen entre sí, ya que analizando de una manera más banal las canciones, ciertos tópicos como lo son el dinero y el amor son percibidos. Por el lado del dinero tenemos a “Miami”, “Just a Stranger” y “Your Teeth in My Neck”. La primera habla sobre el ganarse la vida independiente de los prejuicios de la sociedad ; la segunda sobre una mujer, empoderada, que solo establece relaciones por el dinero, no por la persona; y la última, hace la alusión de que la industria musical es un vampiro que en vez de chupar sangre, succiona todo el talento de un artista para su propio beneficio. Cabe destacar también que las canciones están escritas de una manera inteligentemente gráfica , ya que las situaciones descritas permiten generar una conexión casi inmediata con lo que Kali plantea; ejemplo de lo anterior es la canción "Flight 22", que nos relata el nivel de devoción que puede generar un amor a primera vista. Debido a la ya dicho en este párrafo, es apreciable que el disco en general habla sobre el crecimiento personal que ha tenido que hacer la cantante en favor de llegar hasta donde se encuentra ahora, a pesar de que lo anterior no se diga de manera explicita.

Para no caer en la redundancia del por qué consideré este álbum tan bueno, hay ciertos elementos dentro del proyecto que se podrían considerar como su talón de Aquiles. Uno de los factores más fácil de apreciar es que, a pesar de que Kali goza de una voz que le permite retratar esa vibra nostálgica por la que se ha caracterizado, a ratos carece de fuerza o expresión para poder levantar el tono de las canciones; y lo anterior le juega un tanto en contra al resultado final de algunas canciones,  ya que Isolation es un disco bastante musicalmente dinámico. Lo anterior es apreciable en canciones como "Tyrant" y "Miami", que cuando entran las invitadas en las respectivas canciones, es innegable admitir que estas toman un nuevo aire y un mayor empuje que el que tenían en los momentos en que Kali estaba presente . Debo comentar que la única canción del disco que no me gustó fue “Nuestro Planeta”, desafortunadamente, la única canción cantada totalmente en español. No considero que sea una mala canción, solo que bajo mi percepción, el estilo de la canción no complementa ni fortalece las cualidades de Kali, ya que ese Reggaetón-Pop es bastante blando y básico. Y como último comentario, solamente decir que es genial ver cómo un/a artista evoluciona y se vuelve más artísticamente complejo a medida que va ganando experiencia, ya que a Kali la llevo escuchando desde el lanzamiento de Por Vida.

Canciones Favoritas: Miami, Just a Stranger, Your Teeth in My Neck, Tyrant, Dead to Me, Tomorrow, After the Storm, Feel Like a Fool.



Nota: 8/10




domingo, 13 de mayo de 2018

Rolo Tomassi - Time Will Die and Love Will Bury It (2018)


En el año 2018 ya casi nadie habla de la música ligada al género core y de cómo éste se hizo popular hace 10 años atrás con su repetitiva estética y su también redundante patrón sonoro. Sin embargo, hay bandas como Rolo Tomassi que toman algunos elementos de este género y logran llevarlo a otro nivel. Su nuevo disco, llamado ‘Time Will Die and Love Will Bury It’ es un muy buen ejemplo de lo anteriormente dicho. 

El comienzo del quinto álbum de los ingleses con 'Towards Dawn' es celestial, ya que la pieza destella un suave instrumental de electrónica llena de matices y capas de armonioso sonido. La intro da paso a 'Aftermath', quizá la canción más melódica de la placa por sus dulces teclados, guitarras suaves y la dulce voz limpia de Eva Spence.

Las cosas cambian drásticamente con 'Rituals', donde Rolo Tomassi muestra su lado más pesado, a diestra de blast beats en batería y voces guturales. Continuando con el sonido más heavy, tenemos 'The Hollow Hour' que en sus siete minutos y veintiocho segundos muestra lo agresivo y frágil que puede ser la música de Rolo Tomassi.

En una faceta orientada en acordes más cercanos al jazz en su inicio y en sus quiebres, 'Balancing the Dark' sigue la senda pesada, siendo una pieza de constantes cambios estructurales y una trabajada instrumentación. 'Alma Mater' tiene mucha influencia absorbida de los hace poco extintos The Dillinger Escape Plan, ejecutando segmentos que claramente evocan al math-rock más agresivo.

Una pieza clave dentro del disco es 'A Flood of Light' que con sus más de ocho minutos no hace otra cosa que representar lo que es el actual sonido de Rolo Tomassi. Una dualidad que convive sin ningún problema entre limpios arpegios, atmosferas suaves y rabia constante representada por distorsión y cuerdas vocales exigidas al máximo.

La que es más corta, pero no menos intensa ‘Whispers Among Us’ vuelve a recalcar los elementos pesados anteriormente expuestos, con la diferencia de poseer un espacio limpio- instrumental a la mitad de su trayecto hasta el final de la canción. Un melancólico piano da comienzo a otra canción de ocho minutos: ‘Contretemps’ demuestra intensidad y calidad melódica en una instrumentación que llega a alcanzar niveles épicos, mientras una incansable Eva grita como si no hubiera un mañana para su garganta. Eso sí, la parte final de la pieza resulta armoniosa especialmente en la voz de la vocalista, dándonos a entender que su voz puede tanto llegar a asustarnos como hacernos soñar. 

‘Risen’ es la canción que más elementos post-rock contiene: Guitarras y teclados enreverberizados hacen que todo sea significativo y emotivo al final del álbum. Cerca del fin del track, un ruido parecido al silencio blanco se lleva todos los elementos hacia un fade out, dando término al quinto largaduración de los de Sheffield. 

Metalcore, post-hardcore, post-rock, y alguno que otro guiño a la electrónica es lo que hace una mezcla consistente en este disco, que sin duda lo hace el disco más cohesivo y redondo que Rolo Tomassi ha lanzado en su carrera. ‘Time Will Die and Love Will Bury It’ retrata sin duda a los hermanos Spence y compañía en su mejor momento musical.

8/10

Fav Tracks: Aftermath, Balancing the Dark, A Flood of Light, Contretemps, Risen



 

martes, 8 de mayo de 2018

Moby - Everything was Beautiful,and Nothing Hurt (2018)


Richard Melville Hall, más conocido como Moby, viene a presentar su quinceavo disco de estudio titulado ‘Everything was Beautiful, and Nothing Hurt’. Un título nostálgico junto con una portada que evoca a un mundo paralelo donde la sociedad más inteligente son las vacas y/o terneros. ¿Será esta una referencia a lo que Moby ha estado haciendo últimamente como activista por los derechos de los animales o por su reconocido veganismo? 

Una cosa es segura: el músico estadounidense nunca ha dejado de hacer música, lanzando 10 álbumes desde el comienzo de milenio, claramente sin alcanzar el éxito que le significó ‘Play’ del año 1999, ¿conteniendo en éste varias piezas que llegaron a ser hitos radiales como ‘Porcelain’ o ‘Why Does My Heart Feel so Bad?’.

En esta nueva instancia, Melville propone un sonido más ligado al trip-hop y el down-tempo que podría significar empalagoso o denso para los que buscan el lado más accesible de Moby, pero una joya para los que siguen los trabajos de Massive Attack, Portishead o Tricky. 

Como una introvertida y decaída respuesta a lo que fue la última elección presidencial de los Estados Unidos, Moby se para como un profeta, vaticinando lo que podría ser la debacle de la sociedad como actualmente la conocemos, exponiendo angustia, desesperanza e incertidumbre en cada una de las 11 canciones que contiene este largaduración. 

Piezas como ‘The Last of Goodbyes’ o ‘The Tired and The Hunt’ resultan simbólicas en cuanto al sonido al cual Moby quiere llegar: momentos sonoros reflexivos e inaccesibles con una temática en blanco y negro, si se llevara a parajes imaginativos. 

Siendo un disco no recomendable si crees que todo está bien en ti y en el mundo, ‘Everything was Beautiful, and Nothing Hurt’ es una sombría representación del mundo en que vivimos actualmente: un crudo lamento que es difícil de comprender y asimilar. 

6/10