Asleep - Beneath the Broken Glass

Asleep es una banda chilena que se formó en el 2015, pero su vocalista y otros antiguos miembros de la banda ya compartían cierta historia musical tocando en bandas juveniles. La banda ha logrado alcanzar un pequeño espacio dentro de la escena Hardcore santiaguina, gracias a un sonido distintivo, pero aun firme en sus influencias; desafortunadamente, los constantes cambios en su alineación han generado que la banda se mantenga relativamente inactiva. Independiente de lo anterior, su nuevo EP llamado Beneath the Broken Glass se lanza con la intención de marcar una segunda etapa en la historia de la banda.

Desde el lanzamiento de su primer EP, Black Soul (puedes escucharlo pinchando acá), producido por el ya legendario Jack Endino (quien produjo el Bleach de Nirvana), la banda se mantuvo bastante activa, pero siempre con la idea de lanzar nuevo material; lamentablemente, debido a la tumultuosa estabilidad dentro de la banda en relación con la salida y entrada de integrantes, el proceso de poder grabar más cosas tomó un rumbo más paulatino. Alrededor de Mayo del 2017, Asleep anuncia que están grabando nuevas canciones para el EP que hasta ese entonces se llamaba Reflections; sin embargo, la salida de algunos integrantes puso el lanzamiento del proyecto en una larga espera. No es hasta el pasado Julio de éste año donde el EP ve la luz, solamente que bajo el nombre de Beneath the Broken Glass.

 En cuanto al sonido del nuevo EP, digamos que no se aleja mucho en lo que se presenta en Black Soul, la banda todavía hace esa mezcla entre Hardcore Melódico y Metalcore que los hizo resaltar en una primea instancia; a pesar de eso, hay una evolución o cambio bastante perceptible en las canciones dentro de éste nuevo proyecto en relación a las anteriores, y esto es lo dinámicas que pueden llegar a ser en su estructura y composición. El dinamismo dentro del EP es algo que mantiene de manera constante, ya que a pesar que las canciones no estén estructuradas de la misma forma, comparten elementos que ayudan a mantener la cohesión entre ellas y dentro del proyecto en general. Uno de mis momentos favoritos en todo el proyecto es la transición del breakdown al coro final en “Hollow Talk”, ya que toda la tensión generada por el corte se libera gracias coro final y la melodía de guitarra que lo acompaña. Momentos como el anterior nombrado pasan durante todo el tracklist, y hacen de la experiencia de escuchar el proyecto bastante placentera; desafortunadamente, hay dos elementos que interrumpen dicha experiencia, y están ligados a la producción. El primer punto sobre la producción es la unión de cada instrumento: la guitarra rítmica y especialmente el bajo llegan a ser opacados por la voz y la guitarra líder; comentar también que, lamentablemente, se nota mucho el uso de una batería electrónica al grabar, ya que cada golpe que se da impacta con la misma fuerza, además de la poca potencia que pueden llegar a tener los platillos. El segundo punto es el constante uso de pronunciados fadeouts al final de cada canción; a excepción de “Reflections” que sirve como un preludio para “Lighthouse”. El uso de los fadeouts podría llegar a considerarse innecesario en algunas canciones, como en “Gallows”, donde el outro se alarga solo para ocupar este efecto. El problema con el fadeout también ocurre durante “More Than Words”, “Rather Be Dead” y “Hollow Talk”, donde un corte en seco hubiese ayudado a estas tres canciones a estar conectadas entre sí, ya que comparten elementos estructurales similares.

Es posible considerar las letras bastante intimas, todas ellas servirían para centrar el crecimiento personal como el tema principal del EP; lo anterior se puede ver en la canción “Gallows”, donde se expresa que a pesar de los errores que uno pueda cometer siempre hay una forma de enmendarse. Lo que se dice en cada canción no es nada nuevo, mucho menos para un estilo como lo es el Hardcore, pero siento que los chicos solamente buscaban una forma de expresar lo que sienten o sentían de manera honesta y sin rodeos, siendo esto uno de los pilares fundamentales del estilo. En “Lighthouse” se habla sobre la importancia de tener a alguien cerca, ya sea un amante, amigo o familiar; pero en “Rather Be Dead” se habla sobre lo difícil que es confiar en la gente y que la soledad puede llegar a ser una buena forma de lidiar con los problemas. En una charla con el vocalista de Asleep, nos mencionó que "Rather Be Dead" fue escrita bajo la perspectiva de una mujer que se siente amenazada y degradada por los ojos de un hombre. “More Than Words” se podría interpretar como el hecho de que nuestras acciones también habla sobre nosotros más que las palabras, y en “Hallow Talk” se le levanta el dedo del medio a las amenazas y no tomar en cuenta los comentarios venenosos.

Considero que con éste proyecto la banda es capaz de mostrar una de sus principales fortalezas a pesar de sus percances técnicos, que aun así no generan un gran problema a la hora de escuchar el EP de manera completa para quienes no sean tan quisquillosos. El dinamismo musical ayuda a la banda a entregar un mensaje de manera brutal y cruda, pero al mismo tiempo bastante apasionado y fácil de conectar. El desempeño musical y vocal solamente se ve afectado por una producción lo-fi, pero eso es algo que se puede mejorar a medida que la banda vaya creciendo. Me siento muy a gusto con el resultado final de éste proyecto y también al ver como la banda ha crecido con el tiempo a pesar de sus dificultades, y espero a que sigan creciendo en el futuro ,no quedándose estancados en un sonido en particular.

Canciones Favoritas: More Than Words, Rather Be Dead, Hollow Talk, Gallows.

Nota: 7/10

Travis Scott - ASTROWORLD

Travis Scott es un rapero/productor estadounidense que es considerado como uno de los artistas más influyentes entre sus pares, además de ser uno de los prodigios de Kanye West. Travis lleva trabajando como productor desde que tiene dieciséis años, pero no sería hasta después de sus tempranos veinte que tomaría el rol de rapero. Su primer larga-duración, Rodeo (2015), fue críticamente alabado por ser una muestra de lo elegante que puede llegar a sonar el Trap; además, es uno de los pocos proyectos que se le ha otorgado la categoría de early classic, una escucha recomendada.

Después del lanzamiento de su segunda larga duración, Birds in the Trap Sing McKnight (2016), el hecho de haber lanzado un álbum que no se compara en nada a su trabajo anterior hizo poner a todo el mundo sospechoso, ya que BITTSM era un proyecto desordenado y desorientador, nada parecido a lo que Rodeo fue. Cabe mencionar que Travis viene mencionando el su nuevo álbum, ASTROWORLD, desde el año pasado, con el lanzamiento de su single “Butterfly Effect” en mayo del 2017. La demora en el lanzamiento de debió a diferentes factores, se podría decir la falta de motivación debido a la recepción de su último disco; a pesar de eso, Travis siguió produciendo, e inclusiva lanzó un proyecto paralelo junto a Quavo (Migos) llamado Huncho Jack, Jack Huncho.

Travis Scott en un Concierto del 2017

Travis menciona que el álbum está basado en un popular parque de diversiones en el cual él solía ir cuando niño, y que la experiencia de escuchar el proyecto sería como una Montaña Rusa, y, en cierto sentido eso pasa. “Stargazing” funciona como lo que Travis expresa debido a sus cambios en los beats; pero la siguiente canción, “Carousel” tiene otro efecto más literal.  El track previamente mencionado funciona de una manera un tanto desorbitante debido a su explosivo bajo y su gentil uso de arpegios; además, el canto de FrankOcean acompaña el beat dándole fuerza. El dinamismo en los beats y la sensación de estar en una montaña rusa es algo que prevalece durante toda la escucha del disco, aun así, hay canciones que son más suaves y melosas; “Stop Trying to Be God” suena como un intento a balada gracias a la ayuda de Stevie Wonder en la armónica y James Blake proveyendo uno de los finales más surreales y etéreos en todo el álbum. “Wake Up” y “5% Tint” tienen respectivos beats, pero hechos de una manera más esquelética, ya que la primera tiene una guitarra acústica que la acompaña, y la otra una secuencia de acordes en piano; a pesar de lo anterior; las canciones llegan a generar ese sentimiento un tanto desorientador que Travis ha planteado a lo largo del álbum. Cabe mencionar que en la canción “Astrothunder” cuenta con la ayuda de John Mayer en la guitarra y de Thundercat en el bajo, sirviendo los dos al propósito que plantea el proyecto. “Who? What!” llega a sonar un tanto predecible para lo que podría hacer Travis, ya que al estar acompañado por los cabros de Migos hace uso de una formula redundante y un sonido al cual le han estado sacando jugo desde la primera vez que colaboraron juntos. La última canción, “Coffee Bean” es mucho más calmada y centrada que el resto del disco, ya que trata de generar la idea de que toda la sensación de montaña rusa ya se acabó y que uno acaba de salir de la atracción.  

Video de "Butterfly Effect", para verlo pincha acá 

Líricamente, el álbum no maneja su conceptualización de la misma manera en que la música lo hace, ya que gran parte de las letras hablan sobre tener viajes, pero viajes psicodélicos inducidos por drogas; ejemplo de esto son las dos primeras canciones del álbum, “Stargazing” y “Carousel”. En aquellas canciones, Travis no solo habla sobre lo que es tener un viaje debido a las drogas, también se habla sobre lo diferente que era su vida antes de alcanzar la fama que ostenta actualmente. Un momento que rompe con lo repetitivo en cuanto a las letras es la canción “Stop Trying to Be Good”, cuyo mensaje principal es dejar de tratar controlar nuestro futuro y concentrarse más en el presente; ‘concéntrate más en el viaje que en el destino’. Otro tema recurrente en el álbum es la mención a la actual pareja de Travis; no es algo que se explore de manera profunda en alguna canción, solo se hacen diferentes menciónes en “Stargazing”, “Wake Up”, “Skeletons”, “Sicko Mode” y “Coffee Bean”. 

Si tengo que celebrar algo de este álbum, sería lo eficiente que es en poder generar de manera musical la idea de estar en un parque de diversiones o estar viajando en alguna nave hacia la luna, ya que cada canción cuenta con detalles que ayudan a generar la idea potentemente. Como mencioné más arriba, las letras generalmente no ayudan mucho a darle más peso al tema del álbum, pero las letras nunca han sido un aspecto fuerte dentro de la discografía de Travis. Comentar también que cada transición, cambio de beat y el flow de canción a canción se realizan de manera elegante y suave; el álbum está pensado para escucharse de manera completa sin interrupciones, pero aun así todas las canciones son capaces de defenderse por sí solas. Una grata experiencia que rompe con el miedo planteado por su disco anterior.

Canciones Favoritas: Stargazing, Carousel, Sicko Mode, Stop Trying to Be God, No Bystandars, Wake Up, 5% Tint, NC-17, Can’t Say, Houstonfornication.

Nota: 7/10

Denzel Curry - Taboo /Ta13oo

Denzel Curry es un rapero gringo proveniente de Florida que para los estándares musicales actuales lleva una carrera relativamente larga. Curry lanzó un montón de proyectos en el pasado que lo ayudaron a ganar cierna popularidad, pero gracias a la canción "Ultimate" su popularidad logró alcanzar un nivel más alto, ya que la canción funcionó como el soundtrack de varios memes. El 2016 lanzó su álbum Imperial, ayudándole a ganar un lugar dentro de la infame portada de mechones de la revista XXL. Desde ahí, Curry ha sido uno de los raperos nuevos más prometedores e interesantes debido a su capacidad lírica y agresivo flow.

Taboo, el nuevo proyecto de Denzel, fue promocionado un poco después de que lanzara Imperial, pero al año siguiente, lanzó el EP 13, que serviría como aperitivo a lo que vendría después; pero la idea de lanzar el LP seguía siendo señalada por parte del sureño. Se puede percibir una evolución en el sonido y entrega por parte del Curry, ya que a pesar de que la agresividad se haya convertido en una estampilla por parte del Líder ULT, en Taboo encuentra la manera de no sonar redundante pero manteniéndose fiel a lo que ha hecho a lo largo de los años.

Como dijimos más arriba, Curry es capaz de presentar su proyecto de una manera bastante diversa, ya que hace calzar los beats y su flow según los tres actos en los que el álbum está dividido; Light, Gray, Dark. Con cada acto las canciones van variando, ya que en el primer acto, el sonido es más jovial, el segundo más sobrio y centrado pero pegajoso, dejando el último acto con las canciones más pesadas y explosivas. La primera canción del álbum, “Taboo”, es bastante relajada y etérea en cuanto a su sonido, en el primer acto se mantendría esta dinámica con “Black Balloons” y “Cash Maniac”, siendo estas dos más upbeat;  pero “Sumo” cambiaría el sonido del álbum y finalizaría un primer  pero sorpresivo acto.  La última canción mencionada y “Super Saiyan Superman”, siendo las dos pesadas y agresivas suenan como si  pudiesen encajado perfecto en Imperial, ya que son un tanto predecibles y se alejan poco a lo que Curry ha hecho en el pasado. Las siguientes cuatro canciones dentro del segundo acto, son otro momento difícil de imaginar por parte de Denzel, ya que a pesar de que puedan tener en común cierta vibra debido a su posición dentro del disco, cada una de ellas logra destacar en separado debido a sus detalles; siendo "Sirens" y "Clout Cobain" mis favoritas de ésta sección. Y el último acto del disco es el más explosivo de los tres, ya que varias canciones, a pesar de lo potentes que son, son bastante dinámicas; ya sean los coros o los versos bajan un poco su intensidad para poder proyectar el impacto sobre la siguiente parte. Comentar también que, a pesar de que las canciones en ésta sección del álbum tienen esencia de algo que hubiese hecho Curry para proyectos anteriores, solo que esta vez las canciones cumplen un rol dentro de la estructura del disco que hace su balance estable. 

En Taboo, Denzel trata de hablar sobre algunos temas que se le es difícil expresar a personas cercanas a él. Se podría considerar que el álbum es un tanto conceptual en cuanto a temas ya que la poca variación en los tópicos permite a Curry abordarlos bajo diferentes puntos de vista; aun así, el disco al estar dividido en tres actos ayuda en cierta medida a esta forma de explicar los tópicos según donde se encuentren el proyecto.  A pesar de lo anterior, la primera canción del álbum, “Taboo” habla sobre las cosas que le pudieron pasar a alguna persona, generando un trauma en ellas que les permite concentrarse en el futuro; un tema bastante oscuro para ser la primera canción del álbum.  “Black Balloonz” ocupando expresiones del libro de It de Stephen King hace simbología a globos negros flotando como el dolor que carga una persona.  "Sumo" y "Super Saiyan Superman" dicen básicamente lo mismo, en ellas Denzel infla su ego mencionando que es uno de los mejores raperos en la actualidad entre sus pares; no hay mucho que analizar en estas canciones. "Switch It Up" hace mención a emociones binarias ya sea debido a un desorden bipolar, esto es explicado en una pequeña historia que Curry menciona donde un amigo le intentó robar; a pesar de lo chocante que puede llegar a sonar la experiencia, Curry es capaz de entender al asaltante debido a que Denzel sabía que no lo hacía con intención de perjudicarlo, más bien era para proveer a su familia. La última canción que quiero mencionar de manera particular es "Sirens", en donde Denzel junto a J.I.D hacen mención a todo lo que está pasando políticamente en Gringolandia y si va a dejar de expresar su descontento a través de una pantalla para poder comenzar la revolución. NO queremos mencionar todas las canciones para así poder dejar algo al oyente, pero ya que no comentamos nada sobre el tercer acto, en él Curry expresa toda su rabia y enojo de una manera bastante agresiva de una manera que puede llegar a sonar un tanto edgy, ejemplo de eso el "Black Metal Terrorist"; la anterior se podría leer como Denzel gritando que no le interesa lo que digan de él, que seguirá haciendo lo que él quiere.  

A mi punto de vista, Taboo es un álbum casi perfecto, son solo un par de cosas las que interrumpieron mi goce general del proyecto. La primera cosa que no me agradó fue lo poco tangible que es la conceptualización del álbum, ya que sónicamente se logra entender la idea de los tres actos, pero líricamente no tanto, ya que los tópicos se repiten, pero expresadas de diferentes maneras - esto igual hace las canciones interesantes en todo caso -. El segundo punto, y esto no es algo malo, solo que los coros de canciones como "Cash Maniac", "Sumo" y "Mad I Got It" no me hicieron sentir del todo conforme, pero se lo dejo pasar porque cada una tiene detalles que me hacen disfrutar de las canciones, como la mención de un personaje de Avatar: La leyenda de Aang en "Sumo" y la manera en que el tercer verso en "Mad I Got It" se entrelaza con el beat creando una sensación abrumadora. A pesar de estos dos puntos, considero que Denzel superó toda expectativa que tuviese sobre él, ya que todos los aspectos que lo separaban de sus contemporáneos son pulidos de manera gigantesca; con lo anterior nos referimos a su flow, su lírica y su desempeño en general. 

Canciones Favoritas: Taboo, Black Balloonz, Super Saiyan Superman, Switch It Up, Mad I Got It, Sirens, Clout Cobain, The Blackest Ballon, Percs, Vengeance, Black Metal Terrorist.

Nota: 8,5/10

Panorama Clásicos: Lauryn Hill - The Miseducation of Lauryn Hill (1998)

El día 25 de Agosto se cumplen 20 años desde que Lauryn Hill lanza su primer y único disco como solista, The Miseducation of Lauryn Hill. En esta nueva instancia de Panorama Clásicos reseñaremos el proyecto de Ms. Hill que la ayudó a alcanzar fama internacional, y que a medida que avanza el tiempo gana más peso como un disco fundamental para la música de finales de los noventa, como al mismo tiempo, la categoría de clásico se le asigna con más fuerza.

Lauryn Hill es una rapera, cantante, actriz proveniente de New Jersey. Su primer acercamiento a la fama fue gracias a su ex banda, The Fugees, los cuales mezclaban elementos del Soul, de Reggae y Rap; esto dio de resultado un sonido bastante único y distintivo. Junto a The Fugees, Lauryn solo publicaría dos álbumes, siendo The Score el que cosecharía más éxito gracias a los covers de “Killing me Softly” y “No Woman, No Cry”. Después de separarse la banda, Lauryn decide grabar su disco en solitario, reclutando a músicos para el proyecto y mudándose a Jamaica para grabar éste nuevo álbum.

Como mencionamos arriba, Lauryn ya gozaba de gran reconocimiento gracias a lo que hizo con los Fugees, pero nada de eso se compararía con el éxito que cosechó The Miseducation, eclipsando todo lo que Hills había logrado antes de su lanzamiento. Según la RIAA, el álbum ha alcanzado disco de platino ocho veces; en los Grammys también le fue bien, rompiendo un record al ser nominado en diez categorías, ganando cinco premios, entre ellos mejor álbum del año (1998). Otro record que ha alcanzado el disco, es el de ser el único  proyecto lanzado por una rapera en alcanzar el puesto número uno en Billboard, siendo Cardi B  la segunda rapera en conseguirlo después de veinte años. 

Más arriba mencionamos que el sonido de los Fugees consistía en una mezcla entre Soul, Reggae y Rap; Lauryn en su nuevo proyecto continuaría basando su sonido en esta mezcla, pero de manera mucho más profunda, extensa y dinámica, al punto de trascender los estilos que una vez la influenciaron. Es necesario decir también que el sonido del álbum es bastante uniforme, con esto no nos referimos a que sea un disco plano, más bien, todas las canciones se desarrollan de manera un tanto similar, pero aun así son capaces de destacar por separadas como de manera individual. En base a lo uniforme del sonido, ya sean en las canciones en donde Lauryn se dedica a cantar o rapear, se percibe un groove que permite a las canciones sostenerse y avanzar sin que se pierda el dinamismo ni la intensidad de cada una de ellas; esto pasa inclusive en "Nothing Even Matters", la canción más calmada en todo el álbum. Comentar también que, a pesar de la uniformidad del sonido, cada canción cuenta con pequeños elementos, ya sean vocales o instrumentales que las diferencian del resto. "Ex-Factor" tiene ese espectacular coro final, "To Zion" cuenta con la participación de Carlos Santana en la guitarra, "When It Hurts so Bad" está adornada por una casi angelical Arpa y las melodías vocales en "I Used to Love Him" y "Tell Him" se roban el show.

Líricamente, en The Miseducation se desarrollan temas bastante generales, siendo el amor el tópico que predomina dentro del álbum; pero más que de qué se habla, el cómo se dice es más llamativo. El amor dentro del disco se aborda de diferentes maneras durante el tracklist, pero principalmente se ocupan algunos diálogos que se desarrollan dentro de una sala de clases, teniendo una discusión abierta sobre lo qué es al amor o como los alumnos son capaces de definirlo. A pesar de lo anterior, hay temas diferentes expresados algunas canciones. En "Lost Ones" se habla sobre el si vale la pena perder algo valioso solo para ganar otra cosa; ademas la canción sirve para tirarle mierda a un ex miembro de los Fugees con el que Hill solía tener una relación. "To Zion" es una pieza que, si se leyera incorrectamente, serviría como discurso Pro-Vida más que la historia de una mujer que decidió tener a su hijo en vez de abortar, y como su vida cambia en base a eso. Dentro de todas las cosas que se logran desprender de "Doo Wop (That Thing)", la idea principal sería que las actitudes superficiales en las personas solo atraen gente superficial, que solo te va a querer ya sea por tu dinero o por tu apariencia física. Para no hacer esta sección más larga, comentar también que tema de terminar relaciones toxicas es algo que se repite varias veces en el álbum; "When It Hurts so Bad", "I Used to Love Him" y "Ex-Factor" son los ejemplos más claros.

No me es fácil decir cosas malas sobre este álbum por dos razones: no encuentro elementos que perjudiquen el proyecto, tengo cierto tipo de conexión emocional con el disco; quizás el álbum puede llegar a ser un tanto Hippiento, al punto de generar algo de saturación en el oyente. Por más que trate de ser imparcial con el proyecto, la nostalgia termina nublando un poco mi percepción sobre el álbum, ya que tengo recuerdos de mi hermana escuchándolo a comienzos del 00's. A pesar de lo anterior, es imposible negar lo importante y trascendental que el disco se ha convertido a medida que avanzan los años, ya que, además de estar bien hecho y lo fácil que es sentirse identificado con lo que se dice; es casi como si Lauryn te estuviese hablando directamente a ti, y eso lo hace convertirse en un clásico.

Canciones Favoritas: Lost Ones, Ex-Factor, To Zion, Doo Wop (That Thing), Final Hour, When It Hurts so Bad, I Used to Love Him, Forgive Them Father, Every Ghetto Every City, Everything Is Everything, Can't Take My Eyes Off of You.

Deafheaven - Ordinary Corrupt Human Love

Deafheaven es una banda proveniente de la ciudad de San Francisco, lanzando su primer LP, Roads to Judah, el 2011. Pero no sería hasta el lanzamiento de su segundo larga duración, Sunbather (2013),  donde la banda llamaría la atención de una audiencia más masiva, eso debido a la combinación de estilos que se logró pulir con ese álbum. Poder categorizar a Deafheaven dentro de un estilo musical ha sido bastante difícil a lo largo de su carrera debido a los diferentes elementos que la banda toma de estilos como el Black Metal, Post Rock y el Shoegaze; pero, si nos ponemos a categorizar a Deafheaven dentro de un estilo, quitaríamos toda la entretención que significa escuchar a la banda.

Sunbather fue un álbum que tomó a todos por sorpresa debido a lo bien recibido que fue tanto por la crítica como por los fans, debido a lo refrescante que sonaba. Luego, en el 2015 vendría New Bermuda, el cual recibiría comentarios mixtos, mayormente favorables en todo caso; comentar que es en ese disco donde se ve a Deafheaven soltarse un poco de sus raíces Black Metal en favor de acercarse más a un Post-Rock de principios del 2000. En su cuarto disco, Ordinary Corrupt Human Love, Deafheaven se sumerge casi por completo en las influencias de bandas como Explosions in the Sky y Mogwai, pero ocupando pedales de distorsión y blastbeats  

El primer punto que quiero expresar respecto al sonido del álbum es, a pesar de la variedad de estilos que la banda ocupa para crear sus canciones, el proyecto se siente bastante accesible, siendo esto el primer strike contra el álbum. Con lo anterior no nos referimos a que porque suene más accesible significa que es malo, sino más bien,  ya  sean los momentos explosivos o los calmados, ninguno golpea con la intensidad que lo hacían en trabajos anteriores. Las partes explosivas no son tan potentes como lo eran en New Bermuda, y las transiciones no son hipnotizantes como en Sunbather, dando como resultado canciones fáciles de digerir para alguien que no esté familiarizado con la banda pero a la vez perdiendo una de sus características más llamativas. El segundo strike es lo poco interesantes que son canciones como “You Without End”, “Near” y “Night People”. Ninguna de las tres canciones mencionadas fue capaz de generar interés en mi dentro de lo que ocurría en cada una de ellas, siendo las tres planas, monótonas y poco trascendentales pala lo que es la escucha completa del disco; es una  pena que ni siquiera Chelsea Wolf haya sido capaz de salvar “Night People”, ya que su voz no se complementa en nada con la poca expresiva voz de George Clarke, este último cantando en un registro más común. Otra cosa que debo comentar, y esta no siendo un último strike, en “Honeycomb” y “Canary Yellow” la guitarra encargada de los solos me recuerda a una versión no tan eficiente de algo que haría Kirk Hammert; aun así hay pasajes que lograron quedarse pegados en mi memoria.

De toda la gente que conozco, que dice que le gusta Deafheaven, nadie se refiere a las letras, gran parte de los comentarios van dirigidos a la instrumentación y melodías; a pesar de eso, siempre he considerado que la banda tiene algo que ofrecer en cuanto a su lírica. En trabajos anteriores las letras hablaban de temas más funestos como la depresión y el abuso de sustancias, pero eso no pasa en  Ordinary Corrupt Human Love, ya que gran parte de las canciones hablan sobre gozar las pequeñas cosas de la vida. Es en éste proyecto donde la escritura me recuerda algo que Billy Corgan (Smashing Pumpkins) hubiese hecho para Adore (1998), ya que, ocupando un vocabulario bastante mundano las ideas de desarrollan casi llegando a ser melodramáticas; ejemplo de esto es "You Without End", donde se recita el cuento de un amigo de la banda, dando como resultado una explosión de dramatismo y cursilería. Otro ejemplo donde lo que describimos más arriba ocurre, pero de mejor manera, es en “Honeycomb”, donde un discurso de autoayuda es camuflado debajo del nombramiento de pequeñas miserias que la gente debe vivir día a día. 


No podría decir si el álbum es lo peor que ha lanzado la banda, o un proyecto excelente, ya que hay momentos que me agradaron, como también otros que preferiría no volver a escuchar; comentar que "Glint" es la única canción que disfruté de principio a fin. Considero que el resultado de éste proyecto se debe a la banda durmiéndose en sus laureles, ya que ellos se sabe diferente al resto y que cualquier cosa que lancen será recidiva con aplausos.A pesar de lo anterior, me llama la atención el gran recibimiento que éste álbum tuvo, y creo que eso se debe que Deafheaven aún suenan relativamente frescos; por eso se le ha aceptado el hecho de haber lanzado un álbum tan insípido como lo es Ordinary Corrupt Human Love.

Canciones Favoritas: Honeycomb, Canary Yellow, Glint

Nota: 6,5/10

Florence + The Machine - High As Hope

Florence + the Machine es un banda inglesa encabezada por la formidable cantante Florence Welch, haciendo su debut en el año 2009 con su aclamado álbum Lungs. Desde ese momento, la banda ha hecho uso de un sonido bastante teatral y grandilocuente, que es perfectamente acompañado por la voz de Welch; al mismo tiempo basando su estilo musical en artistas como Kate Bush, Patti Smith y Stevie Nicks.   

Florence Welch prometió que el sucesor a su álbum del 2015, How Big, How Blue, How Beautiful, sería mucho más personal e introspectivo; desafortunadamente, esa ha sido una promesa que la cantante ha estado haciendo desde Ceremonials (2011) y que ha fallado en cumplir. De manera casi sorpresiva, High as Hope se centra bastante en la vida personal de Welch, así también bastante minimalista pero elegante, y no tan explosivo como sus trabajos anteriores.   

Florence + The Machine tocando "Hunger" en la BBC

Uno podría considerar que la evolución musical de la banda ha sido casi nula, y que los elementos que forman cada canción dentro de High As Hope son los mismos que se encuentran en cada uno de los proyectos anteriores. Independiente de lo anterior, éste nuevo álbum se diferencia de los demás ya que es mucho más calmado, haciendo de esto su punto fuerte y mayor atractivo. Uno llegaría a pesar que lo calmado del disco podría hacerlo bastante monótono y aburrido, y a momentos eso pasa, pero es ahí donde canciones como "Hunger" y "South London Forever" le añaden un poco de energía al proyecto; hay puntos medios también, "100 Years" y "Patricia" son ejemplos perfectos de lo bien que se pueden hacer canciones bastante potentemente sin la necesidad que sean ruidosa. "June" y "No Choir" abren y cierran el álbum respectivamente de una manera un tanto melancólica pero cumpliendo el rol de ser una buena invitación y despedida a lo que es High As Hope.

En letras de los álbumes anteriores se puede notar pequeños detalles de la vida personal de la cantante Florence Welch, pero de manera a veces encriptada y otras bastante literales. En esta nueva instancia, cada letra dentro de cada canción se puede percibir como la lectura de un diario de vida, donde Florence habla sobre las mujeres que rodearon su vida y como percibe su presente influenciado por su pasado. La segunda canción del álbum, "Hunger", se hace una metáfora en relación a los problemas alimenticios que sufrió la cantante para decir que está hambrienta por un futuro más excitante. En "Grace", Florence  nos cuenta sobre los problemas para poder generar una conexión más emocional con su hermana, pero a pesar de eso, la ama de igual manera. En la canción "Patricia", se hace una oda a una de las influencias nombradas más arriba, Patti Smith, donde se nos relata el nivel de idolatría que sentía Florece hacia la Reina Poeta del Punk. Por último, otro momento interesante es la canción final del disco, "No Choir", donde el tema principal se podría interpretar como el amor cada vez va quedando más en segundo plano debido a como esta ha ido avanzando en edad.

Considero que tanto la música del álbum como su lírica se complementan bien en relación con lo que la banda trata de mostrar en este disco; pero, y siendo éste mi mayor problema para disfrutar al máximo el proyecto, es que Florence parece no poder encontrar un punto medio como cantante. Con lo anterior no nos referimos a que Welch sea una mala cantante, porque no lo es, lo que tratamos de decir es que su entrega puede llegar a ser un tanto abrumadora debido a lo poco controlada que es. En gran parte del álbum, Florence está dispuesta a proyectar su voz en toda su potencia, generando cierta tensión entre lo que pasa musicalmente y la voz de la cantante. Ésta dinámica perjudica lo que el álbum trata de mostrar, ya que, el nivel de intimidad que se pueda generar con las letras y la música se ve interrumpido por el difícil de controlar canto de Welch.

Canciones Favoritas: June, Hunger, Sky Full of Song, Patricia, The End of Love, No Choir. 

Nota: 7/10 

Panorama Clásicos: N.W.A - Straight Outta Compton (1988)

Celebrando 30 años desde su lanzamiento, en nuestra sección de Panorama Clásicos reseñaremos uno de los álbumes que se ha establecido dentro de lo que se podría denominar como la columna vertebral del Rap. Straight Outta Compton de N.W.A es un disco que, a pesar de toda el agua que ha pasado bajo el puente en relación con la expansión musical como en popularidad del género, la influencia de éste proyecto y de lo que provocaría puede ser percibido hasta el día de hoy.  

N.W.A fue una banda nacida de la ciudad de Compton, Los Angeles; considerada una de las ciudades más peligrosas de E.E.U.U  durante la era Reagan. La banda estaba formada por los que ahora se pueden considerar como leyendas del Rap, Ice Cube, Dr. Dre, Mc Ren, Easy-E y Dj Yella; lamentablemente, no durarían más que un par de años juntos después que Straight Outta Compton viera la luz. Añadir también que éste proyecto ayudaría a empujar lo que ahora se conoce como Gansta Rap, a pesar de eso, el álbum consta de ciertos elementos que no lo han ayudado a envejecer de buena manera, pero algunos de eso factores son los que llamarían la atención de no solo el público que se pudiese relacionar directamente con el contenido del disco, sino también funcionar como punto de acceso a los problemas del diario vivir entre la comunidad afroamericana 

Para poder hablar sobre el contexto en el cual éste álbum está envuelto sin que suene como una clase de historia, tendremos que simplificar todo lo que sucedía en 1988 y cómo impactó el álbum al decir que fue el álbum correcto en el momento correcto. Mencionaremos tres factores que ayudan a contextualizar éste álbum.

1.      Straight Outta Compton es el segundo álbum de la banda, siendo su antecesor difícil de poder recomendar o comparar debido a lo diferentes que son. 

2.     La escena West Coast era bastante minúscula, ya que, a pesar de que el East Coast Rap llevaba un poco más de una década de existencia, su contratarte en los 80's estaba apoderada por el Techno. Comentar también que dentro de lo que se denomina Gansta Rap, N.W.A no fueron los primeros en abordar ciertos tópicos, ya que Ice T ya tenía su pequeño éxito con su canción "6 'N the Mornin'".

3.     La canción "Boyz-n-the-Hood" de Easy-E ayuda a la banda a ganar algo de popularidad, ya que ésta canción se siente como una secuela al track mencionado arriba de Ice T; la única diferencia es que la versión de E cuenta con un poco más de personalidad.

 Teniendo en cuenta lo anterior, todo lo que vendría después del lanzamiento de Straight Outta Compton llenaría a la banda de éxito como de polémica, pero, para no hacer esta sección más larga, les recomendamos que vean la película basaba en la banda, que lleva el mismo nombre que el álbum que estamos reseñando (la pueden ver en Netflix o pinchando acá).

A finales de los 80's, los beats todavía eran bastante rudimentarios en comparación con lo que pasaría en los 90's, independiente de eso, con los recursos de la época eran capaces de mantenerse creativos y pegajosos; prueba de eso es lo innovador que fue el segundo disco de los Beastie Boys, Paul's Boutique,  lanzado un año después de Straight Outta Compton. Siendo mucho más simple y directo que el álbum Paul's Boutique, los beats ocupados por N.W.A sonaban agresivos pero al mismo tiempo funky. Comentar también que el sonido del álbum es bastante uniforme, en todas las canciones se puede percibir elementos Funk, Soul y R&B, aunque canciones como "Something 2 Dance 2" son más influenciadas por el Techno de la banda anterior de Dr. Dre. Es necesario decir que, desafortunadamente, el sonido del álbum no ha envejecido del todo bien, ya que suena bastante acorde a la época en que fue lanzado; esto no quiere decir que sea algo malo, se podría considerar de hecho como una ayuda para poder apreciar otros discos de la misma época. Mi teoría del por qué su sonido no ha envejecido del todo bien es que, Dr. Dre, siendo éste el productor principal del álbum todavía no encontraba su sonido distintivo; con esto nos referimos al G-Funk, desarrollándolo más en el álbum posterior a Straight Outta Compton y alcanzando su máximo potencial en su disco en solitario, The Chronic. A pesar de lo anterior, en la canción "Gansta" se pueden ver los primeros acercamientos a lo que sería el G-Funk.

Uno pensaría que con todo el impacto social que éste álbum tuvo, sería porque está recargado con temas políticos bien desarrollados y líricamente complejos, pero no es así. Straight Outta Compton no está tematizado de manera política como el proyecto de Public Enemy,  It Takes a Nation Of Millions to Hold Us Back, ya que mientras Public Enemy decía “Fight the Power”, N.W.A decía “Fuck the Police”. El álbum tampoco está escrito de manera excelsa, otro proyecto que supera a éste en cómo está escrito es Follow the Leader, de Eric B & Rakim. A pesar de todo lo anterior, lo que hace grande a Straight Outta Compton no es su complejidad, sino más bien su simplicidad; de manera simple, pero efectiva, N.W.A dicen cada uno de sus mensajes de manera cruda y sin filtros. La canción que lleva el mismo título que el álbum “Straight Outta Compton” es el ejemplo perfecto de todo lo que pasará dentro del disco, hablando sobre violencia y toda la escena criminal en la que los miembros de la banda eran testigos y participantes al mismo tiempo. “Fuck the Police” se podría percibir solo como falta de respeto hacia la autoridad, pero más que eso, la canción es un grito de protesta en contra del sistema opresivo policial hacia la comunidad negra. Se podría desprender la idea de que la banda con sus letras están glorificando el hecho de ser pandilleros, vender drogas, pero la misma banda ha dicho que lo que ellos hacían era solamente contar las experiencias a las que ellos estaban acostumbrados debido al entorno en el que crecieron.

Siento que ya hemos hablado harto del por qué éste álbum es considerado como clásico, independiente de eso, y como comentario final, otro factor que influyó al impacto social de éste proyecto es el cómo fue recibido por el público blanco. Debido a la falta de conocimiento respecto a lo que pasaba en los ghettos, el contenido del disco fue malinterpretado, considerándose como una glorificación a todo lo malo que la sociedad de ese entonces condenaba. La banda incluso sufrió sabotajes por parte de comunidades conservadoras, como así también una políticamente bien escrita carta de amenaza por parte del FBI hacia la banda. Es una historia súper interesante, y los invitamos a saber más de ella si quieren; pero hasta donde nos especializamos nosotros, Straight Outta Compton es un álbum clásico que muestra un antes y un después en el rap, como así también presta voz a una comunidad oprimida.

Canciones Favoritas:  Straight Outta Compton, Fuck the Police, Gansta Gansta, If It Ain´t Ruff, Parental Discretion Iz Advised, 8 Ball, Something Like That, Express Yourself, Dopeman, Quiet On Tha Set.